Carte de colorat indian. Petrecere pentru copii „indieni”

Tendințe și tendințe în pictură din Evul Mediu.

Tendințe generale

Arta acestei perioade, deși variată ca stil, se caracterizează prin mai multe tendinte generale. În acest moment majoritatea opera de artă avea un scop religios, așa că arta creștină era direcția dominantă. Multe picturi, dipticuri, triptice și sculpturi din Evul Mediu au fost concepute pentru altarele bisericilor și ținând cont de caracteristicile specifice interioarelor templului.

Un element important Crearea imaginilor religioase a fost o decorare suplimentară a operelor de artă. Elementele picturilor ar putea fi create din aur sau din alte materiale prețioase.

Patroni noi

Schimbările artistice din Evul Mediu au fost cauzate de schimbarea rapidă conditii sociale. Dezvoltarea comerțului a dus la faptul că orășenii și comercianții bogați puteau cumpăra opere de artă pentru ei înșiși. Până la începutul secolului al XV-lea, mulți burghezi aveau colecții de picturi.

Autoritățile orașului au susținut artele vizuale prin încredințare maeștri celebri realizarea de retablouri pentru altare si biserici.

Mișcare spre realism

Momentul exact al trecerii la realism în arta Evului Mediu este imposibil de indicat. Inovații create într-o serie de arte într-un număr de țări europene, pentru o lungă perioadă de timp este posibil să nu fi fost indicat în alte moduri culturi nationale. Cu toate acestea, se poate susține că munca făcută încă de la începutul secolului al XIII-lea a contribuit la apariția Renașterii timpurii.

Unul dintre primii care a pictat picturi cu elemente de realism a fost artistul italian Cimabue (1240–1302), care a transmis profunzimea imaginii folosind culori bogate și contraste de lumină.

Gotic internațional

Un stil de pictură elegant și sofisticat s-a dezvoltat în principal datorită realizărilor maeștrilor italieni. Tehnica lor a fost caracterizată prin utilizarea liniilor netede, a contururilor complexe ale corpului și a expresiilor blânde pe fețele oamenilor reprezentați.

Începutul secolului al XV-lea este o perioadă de progres clar către realism în artele vizuale, care este, de asemenea, caracteristic literaturii și sculpturii. Artiștii demonstrează un interes pentru detalii, ceea ce conferă integrității și completitudinii compoziției. Această dată în arta europeană este caracterizată drept perioada Renașterii.

Pictura medievală actualizat: 14 septembrie 2017 de: Gleb

După prăbușirea Marelui Imperiu Roman, partea sa de est - Bizanțul - a înflorit, în timp ce partea de vest era în declin. Din secolul al V-lea. Roma a fost atacată și jefuită în mod regulat de barbari.

Imperiul, care nu cunoscuse niciodată înfrângere, a fost zdrobit și umilit de triburile vandale. Pentru a rezista invaziei hunilor, conduși de nedescuratul Attila, romanii au fost nevoiți să intre într-o alianță cu vizigoții, francii și burgunzii. În 451, Attila a fost oprit, dar Imperiul Roman nu s-a mai putut recupera din devastare și răsturnări. Partea sa de vest și-a încheiat existența în 476.

Astfel, începutul istoriei medievale este asociat cu distrugerea și distrugerea aproape completă a culturii anterioare. Acesta este exact ceea ce explică primitivismul brut al artei europene timpurii. Dar nu poți spune asta tradiții străvechi nu a avut absolut nicio influență asupra muncii maeștrilor barbari. Ornamentul roman, precum și formele clădirilor religioase romane, s-au răspândit. Acest lucru se datorează, în primul rând, faptului că cuceritorii au adoptat religia creștină de la romanii învinși.

Barbarii au îmbogățit semnificativ temele operelor artistice ale maeștrilor romani, introducând în arta lor gândirea mitologică și motive naționale originale. Triburile lor proveneau din îndepărtata Mongolie, unde, în urma săpăturilor efectuate în tractul Noin-Ula (1924-1925), au fost descoperite înmormântări ale nobilimii hunice, probabil datând de la începutul erei noastre. Studiile asupra articolelor de uz casnic și a obiectelor aplicate găsite acolo au relevat exemple excelente de picturi. Covoarele descoperite în movilă cu scene de lupte între animale fantastice și figuri de cai și oameni sunt izbitoare prin realismul și subtilitatea execuției.

Din popoarele de stepă a apărut faimosul stil animal sau tetralogic, care și-a ocupat timp de câteva secole locul cuvenit în arta europeană.

Pictura creștină timpurie

Pictura ca atare, desigur, nu a existat în această epocă, dar odată cu adoptarea creștinismului putem vorbi despre miniaturi de carte, care au apărut și s-au dezvoltat în mănăstiri care au devenit centre ale vieții spirituale. Europa de Vest. Manuscrise au fost create și decorate în atelierele mănăstirii - scriptoria. Materialul pentru ei a fost pergament - piei tăbăcite de miei și iezi.

Procesul de creare a unei cărți a fost foarte lung și uneori a durat câteva decenii și uneori a durat un întreg viata umana. Călugării au copiat cu sârguință Biblia și alte cărți continut religios. Pentru scris a fost folosită vopsea roșie, de la numele căreia - minium - provine cuvântul „miniatură”.

Pentru un creștin, cartea era de o valoare deosebită, un simbol al legământului divin. Cărțile au fost păstrate cu grijă în mănăstiri, așa că majoritatea au ajuns la noi în forma lor originală. Manuscrisele erau bogat decorate, iar modelele abstracte de animale au fost utilizate pe scară largă - o întrețesere continuă de linii, însoțită de imagini cu păsări și animale.

Triburile barbare au purtat în mod constant războaie de cucerire între ele, în urma cărora vechile regate s-au dezintegrat și au fost create altele noi. Marele stat franc, care a existat timp de aproximativ cinci secole (din secolul al V-lea până la mijlocul secolului al X-lea), s-a dovedit a fi cel mai rezistent la șocuri.

Arta acestei perioade poate fi împărțită în epoca merovingiană din secolele V-VIII. (așa-numiții regi franci care îl considerau pe legendarul lider Merovey strămoșul lor) și epoca carolingiană în secolele VIII-IX. (numit după împăratul Carol cel Mare)

Pictură din perioada merovingiană

În epoca merovingiană s-au răspândit miniaturi de carte anglo-irlandeză, reprezentate de magnificele monumente ale picturii creștine timpurii care au ajuns până la noi. În mănăstirile din Irlanda, care la acea vreme era una dintre cele mai culturale zonele dezvoltate Europa, au fost create evanghelii, decorate cu ornamente minunate. Folosind un stilou, artiștii irlandezi au scris desene uimitor de dinamice cu oameni și animale.

S-a acordat multă atenție conturului literelor; acestea erau atât de bogat decorate cu tot felul de bucle, încât linia în sine a căpătat aspectul unui ornament. Decorat majusculă- initiala - ocupa uneori o pagina intreaga.

Tehnica picturii miniaturilor secolelor V-VIII. nu a atins încă perfecţiunea care este inerentă lucrărilor maeştrilor carolingieni. Lipsa de perspectivă și volum, stilizarea și primitivismul imaginilor - trăsături de caracter Pictura merovingiană.

Pictura din perioada carolingiană

La sfârşitul secolului al VIII-lea - începutul secolului al IX-lea. Aceasta este perioada de glorie a statului franc, care este asociat cu activitățile conducătorului Carol cel Mare. Puterea sa a unit teritoriile Franței moderne, sudul și vestul Germaniei, nordul și centrul Italiei, nordul Spaniei, Olanda și Belgia.

Fiind o personalitate remarcabilă, Charles a contribuit la răspândirea educației în ținuturile aflate sub controlul său. A fondat o școală în care fiii săi, împreună cu copiii nobilimii, stăpâneau elementele de bază ale retoricii, poeziei, astronomiei și altor științe. Karl însuși, care știa perfect greaca și latină, nu a primit o educație în tinerețe, așa că a încercat să stăpânească alfabetizarea deja în varsta matura, deși a făcut-o prost.

Străduindu-se să facă o a doua Roma din țara sa și declarând pământurile care i-au aparținut drept Sfântul Imperiu Roman, Carol a contribuit la introducerea oamenilor în arta antichității târzii, motiv pentru care epoca sa este adesea numită „Renașterea carolingiană. ”

Sub Carol cel Mare, picturii templului i s-a acordat o importanță deosebită; era un fel de biblie pentru analfabeti, pentru că deseori curiozitatea era cea care atragea oamenii obișnuiți la biserică. În decretele regelui se poate citi că „pictura este permisă în biserici pentru ca analfabetul să poată citi pe pereți ceea ce nu poate învăța din cărți”.

Miniaturi de carte dezvoltate în perioada carolingiană. Textele sunt ilustrate după modele bizantin și anglo-irlandez. Apar mai multe școli, care diferă unele de altele prin tehnici de interpretare, soluții compoziționale și teme. Dar există aspecte comune, inerente tuturor școlilor fără excepție. Aceasta este dorința de claritate și claritate în construcția compoziției, pentru o imagine realistă și utilizarea ornamentelor arhitecturale ca fundal pitoresc.

Principalele obiecte reprezentate în miniaturi ale școlii Ada (alte nume sunt școala stareței Ada, școala manuscriselor Ada, școala Godescalca, școala lui Carol cel Mare) au fost evangheliștii. Trăsături distinctive lucrări create de artiștii acestei școli - prezența ornamentației, auririi și colorării violete a hârtiei. Aproape peste tot fundalul sunt clădiri din antichitate. Simbolurile lui Marcu, Matei, Ioan și Luca - un leu, un înger, un vițel și un vultur - sunt situate deasupra capetelor evangheliștilor. Autenticitatea convingătoare a ceea ce este descris este obținută prin volumul formelor și prin utilizarea abil a luminii și a umbrei.

Clienții cărților create de maeștrii acestei școli erau adesea membri Familia regală(după unele surse, stareța Ada era sora lui Carol cel Mare).

Episoade din viața lui Isus Hristos. La Psalmul XV. Psaltirea Utrecht. secolul al IX-lea

Miniaturale scolii din Reims sunt realizate grafic cu cerneala maro. Contururile instabile, aparent vibrante, fac figurile surprinzător de vii și dinamice. Cel mai remarcabil monument Arte vizuale această direcțieși miniaturi carolingiene în general - Psaltirea Utrecht (numit după locul de depozitare - în biblioteca universitară din Utrecht). Conține 165 de desene cu scene de sărbători, vânătoare, lupte, scene cotidiene, precum și peisaje. Autorul de miniaturi acordă importanță chiar și celor mai multe mici detalii. La fereastră casa mica se vede o perdea trasă, o ușă ușor deschisă în templu.

În miniaturile școlii din Tours se pot vedea imagini stilizate ale monarhilor. Aceste lucrări se caracterizează printr-un raport disproporționat de cifre: regele este întotdeauna semnificativ mai înalt decât celelalte personaje.

Ilustrarea Bibliilor a fost specialitatea directă a maeștrilor din Tours, care au executat miniaturi pentru Biblia Alcuin, Biblia lui Carol cel Chel și Evanghelia lui Lothair.

Cultura statului carolingian a existat de aproximativ două secole, dar în timpul acesteia Pe termen scurt Au fost create multe opere de artă minunate, iar în timpul nostru admirăm priceperea artiștilor medievali.

Ca urmare a invaziilor devastatoare ale dușmanilor, imperiul lui Carol cel Mare a fost distrus și odată cu el au pierit multe monumente frumoase ale culturii carolingiene.

Următoarea etapă în dezvoltarea artei vest-europene va începe cu noul mileniu, adică în secolul al XI-lea.

Arta medievală a Europei ca întruchipare a mentalității religioase creștine. Estetica identităților: canonicitate, antinovatism, anonimat, repetare a intrigilor și imaginilor tradiționale. Dominante estetice ale Evului Mediu timpuriu, matur și târziu. Stiluri de arhitectură medievală: stil romanic, stil gotic.

Pictura medievală (miniaturi de carte, pictură monumentală, artă vitralii). Literatura medievală: și trăsăturile sale. Principalele tradiții literare: Literatură latină:, epopee, Literatură curtenească:, Literatură urbană:. Modul bisericesc și genurile muzicale medievale.

Pictura. Subiectele pentru picturi și sculpturi erau teme ale măreției și puterii lui Dumnezeu. Caracteristica stilistică a acestor imagini era că figura lui Hristos era semnificativ mai mare ca mărime decât alte figuri. În general, proporțiile reale nu au fost importante pentru artiștii romanici: în imagini, capetele sunt adesea mărite, corpurile sunt schematice, uneori alungite. În Germania în secolul al XI-lea. Toate mai mult spatiu in poza. Tema crucificării, morții și învierii lui Hristos începe să ocupe locul. În viitor, acest motiv va deveni dominant în catolicism și chiar va înlocui imaginea lui Hristos ca Pantocrator. Pictură monumentală medievală timpurie.În ea, alături de tradițiile creștine timpurii, sunt observate trăsături de impetuozitate și expresie. Monumente din secolul al IX-lea care au ajuns în vremea noastră. Picturile bisericești din Franța fac posibilă distincția între școlile de fundal „luminoase” și „albastre”. Prima, comună în vestul și centrul Franței, se caracterizează printr-un fundal deschis, contururi ascuțiteși o interpretare plată a formelor (frescele „Bătălia Arhanghelului Mihail cu Dragonul” din Biserica Saint-Savain din Poitou). Pentru al doilea (sud și estul țării), fundalurile albastre, culorile bogate și o influență clară a artei bizantine sunt orientative. „Școala Fundalurilor Albastre” este deosebit de bine reprezentată de complexul de picturi Berze-la-Ville creat la începutul secolului al XII-lea. Astfel, în arta secolului al XIV-lea, deși era încă controlată de biserică, trăsăturile laice și realiste s-au intensificat. Vitraliu. În perioada de glorie a stilului romanic, existau două tehnici de pictură pe vitralii: grisaille(vopsea neagră și gri pe sticlă incoloră de o nuanță de fum verzui) și pe compunerea sticlei colorate(sticlă se fierbea în cuptoare speciale, apoi se tăia conform desenului pregătit și se dactilografiază pe șabloane speciale, după care se acoperi cu pictură pe fond colorat). Cu toate acestea, vitraliul a atins cea mai mare înflorire în perioada gotică. Scopul principal al acestor „imagini cu fereastră” a fost să le arate oamenilor care nu puteau citi Scripturile ce ar trebui să creadă. Datorită varietatii de subiecte, vitraliile sunt gotice. catedralele au concurat cu succes cu sculptura. Pe lângă compoziții pe subiecte biblice și evanghelice, figuri individuale ale lui Hristos, Mariei și apostolilor, acestea conțineau și episoade din legende despre viața sfinților și imagini ale evenimentelor istorice. Niciodată până acum culoarea și lumina au jucat un rol atât de simbolic. Se credea că culoarea naturală a goticului era violet - culoarea rugăciunii și a aspirației mistice a sufletului, ca o combinație între culoarea roșie a sângelui și cerul albastru. Culoarea albastra a fost considerat și un simbol al fidelității. Prin urmare, vitraliile au fost dominate de roșu, albastru și vopsele violete. Alături de ei, culorile portocaliu, alb, galben și verde au fost deosebit de iubite. Cel mai bun goth. vitraliile sunt în catedralele din Chartres („Fecioara cu copilul”) și Paris (Saint-Chapelle).

Literatură. Toată literatura din Evul Mediu poate fi împărțită în epopee eroică, poezie curtenească cavalerească, romantism curtenesc cavaler și poezie și proză de clasă urbană. Epopee eroică au reprezentat basme care glorificau isprăvile eroilor, cele mai importante evenimente reale, basme bazate pe legende populare. Cele mai vechi lucrări de acest gen au fost „cântece despre isprăvi”. Interpreții acestor cântece-poezii au fost jongleri, cântăreți ambulanți și muzicieni. În Franța, cel mai mare monument al acelei epoci este „Cântarea lui Roland” (cavalerul ideal, patriot și iubitor de adevăr, apărător al creștinilor de necredincioși). Legendele bretone (Bretania - regiune din Franța) și celtice vorbesc despre regele britanic Arthur și Cavalerii Mesei Rotunde, precum și despre căutarea Sfântului Graal, cupa în care, potrivit legendei, sângele Mântuitorului. a fost colectat când trupul său a fost pus în sicriu. Cea mai faimoasă poezie a acestui ciclu gloriifică isprăvile cavalerului Parzival. În Germania - epopee „Cântecul Nibelungilor” despre moartea regatului Burgundian și moartea regelui hun Attila. Eroul Siegfried apare în țara Nibelungilor și se îndrăgostește de sora regelui Gunther. Regele îi cere lui Z. ajutorul pentru a îndeplini isprăvile eroice și se căsătorește cu regina islandeză. Mai târziu, înșelăciunea este dezvăluită. Poezie cavalerească de curte (curte). Poezia curtenească a început cu cultul „doamnei inimii”. Poeții-cavaleri au cântat frumusețea și noblețea Doamna frumoasa, care era, de regulă, soția stăpânului. Dragostea curtenească este secretă, poetul s-a ferit să-și numească doamna subtilă, rafinată. Ar trebui să arate ca o adorație reverentă. A fost cântat de trubaduri (Sudul Franței), trouvères (Nordul Franței), minnesingers (Germania) și menestreli (engleză). În Provence (și acolo au apărut primele poezii de dragoste cavalerești) au existat multe forme de poezie curtenească. Canzona(„cântecul” a prezentat o temă de dragoste sub formă narativă. Alba(„zorii de dimineață”) a fost dedicat iubirii pământești, împărtășite. Îndrăgostiții se despart în zori, a căror apropiere este avertizată de un servitor sau prieten care stă de pază. Baladă- cântec de dans. Pastorela- un cântec despre întâlnirea unui cavaler și a unei păstorițe. Strigăt- un cântec în care poetul tânjește sau își plânge soarta, deplânge moartea unei persoane dragi. Tenson- poezie. disputa, pisica. Fie participă doi poeți, fie un poet și P.D., poezie și Lyubov. Sirventes- cântec, pisică. Rețelele sociale sunt deja în creștere. întrebări: cine este demn de dragoste - un om de rând politicos sau un baron fără glorie? romantism cavaleresc de curte. Autorii - oameni învăţaţi. Primele romane au apărut în Franța. și au fost o fuziune a epopeilor celtice. legende cu lucrările antice târzii ale lui Homer, Ovidiu, Vergiliu, povești fascinante ale cruciaților despre țări necunoscute. Unul dintre creatorii lui Chretien de Trouy „Yvain sau Cavalerul cu Leul”. Acțiunile eroilor lui Chrétien de Troyes au ca scop realizarea unei isprăvi și nu dragostea îl împinge pe cavaler la aventură, ci pasiunea pentru aceste isprăvi. Tehnici mai complexe de dezvăluire a oamenilor. har-ra au fost folosite de Chrétien de Troyes în Povestea Graalului, unde o faptă de „dificultate crescută” condamnă eroul la asceză.

Celălalt miercuri are o cu totul altă tonalitate. roman - „Tristan și Isolda”, bazat pe o pisică. Povești irlandeze despre dragostea nefericită a două inimi tinere. Intriga lipsește o aventură cavalerească și aduce în prim-plan conflictul insolubil dintre motivele individuale ale eroilor și normele general acceptate. Pasiunea distructivă a tânărului Tristan și a reginei Isolda îi împinge să-l calce în picioare pe vasal și datoria conjugala, într-un lanț de prefăcătorie și înșelăciune. Eroii nu mor sub loviturile adversarilor puternici, ei devin victime ale sorții, ale sorții. Poezia și proza ​​munților. moșii. Genurile populare sunt fabliau (în Franța), schwank (în Germania). Eroii sunt orăşeni şi ţărani cu ingeniozitatea lor şi bun simț, pisică. lupta cu adversitatea de zi cu zi, menținând în același timp optimismul. Toate situațiile sunt de natură comică sau aventuroasă, dar nu depășesc granițele unei reprezentări realiste de zi cu zi. Cea mai cunoscută epopee. ciclul este fr. „Un roman despre o vulpe”, în care viața srvekului este descrisă într-o formă alegorică. Europa. Tema principală este lupta de succes a vulpei Renard, lider. ingeniozitate, dexteritate si viclenie, cu un lup prost, insetat de sange. Fenomen deosebit- poezia școlarilor rătăcitori - vagași. Aceștia au făcut atacuri ascuțite împotriva prinților bisericii, ceea ce i-a făcut pe vagabondi militanti eretici. Temele preferate ale melodiilor lor sunt sărbătorile, flirtul ușor, plângerile ironice despre soarta lor grea („Pe partea franceză...”). Comedia populară s-a transformat în satiră și a dat naștere gen nou- farsă (comedie brută cu batjocură inerentă).

Muzică. Muzică k-ra Evul Mediu timpuriu reprezentat în principal prin cântece și dansuri de curte și populare, cântând muzică. instrumente și muzică religioasă. Toate nivelurile societății erau pasionate de muzică, cântec și dans. Imn bisericesc. Deja la sfârșitul secolului al VI-lea. baza pentru muzica. Cultul catolic a devenit un cântec bisericesc cu o singură voce, interpretat de un cor masculin la unison sau de solişti în latină. Acesta este așa-numitul Cântul gregorian (numit după Papa Grigore I, care, conform legendei, a stabilit acest gen de cântare). Cântarea creștină uniformă a fost introdus treptat în toate țările Europei de Vest. Secolele KIX-X - primele înregistrări ale lucrărilor polifonice. Piesele de organum cu două voci au fost create de maeștri din Franța. Mănăstirea Saint-Marcel, pe care au împrumutat-o ​​de la cântăreți improvizatori. Distributie muzică Motetul a devenit un gen începând cu secolul al XIII-lea. Pentru a scrie un motet, comp. a luat o melodie cunoscută și i-a adăugat una, două sau trei voci. Și muzica bisericească a fost compusă după același principiu. ritual. Acesta are polifon. Pe baza și cântecele trubadurilor și trouvèrelor, creativitatea comp. târziu Evul mediu. Cântece diverse genuri și forme: rondouri, balade, madrigale. Această perioadă din istoria muzicii se numește Ars nova(lat. artă nouă), deoarece poezia seculară rafinată era acum pusă pe o muzică de un nou tip, impregnată cu o vioiciune deosebită și o bogăție de culori sonore. Un maestru remarcabil al IT. Ars nova a fost Francesco Landino. Orbirea timpurie nu l-a împiedicat să devină un organist virtuoz și autorul multor cântece lirice. pr. Ars nova a condus computerul. iar poetul Guillaume de Machaut, cat. contemporanii l-au poreclit „zeul pământesc al armoniei”. Balada din opera sa a devenit un exemplu de lirism sofisticat. A fost interpretată de un cântăreț cu acompaniament instrumental polifonic. Creativitatea ambilor a deschis calea. scena – muzica Renaştere

Odată cu dezvoltarea limbajului ca instrument de comunicare, moduri non-verbale comunicare. Înainte de a învăța să vorbească în mod coerent, o persoană își folosea membrele mâinilor și expresiile faciale pentru a comunica, învățând inconștient să pună atât de mult sens în fiecare arc și linie dreaptă de pe fața sa, încât toate acestea au fost suficiente pentru a fi pe deplin înțelese de interlocutorul său. Când mergea la război sau la vânătoare, a aplicat pe față un model simetric, subliniindu-și intențiile, iar cu ajutorul mușchilor faciali, colorarea a prins viață și a început să funcționeze după reguli specifice.

În acest material, am încercat să evidențiem principalele repere din istoria vopselei de război, să aflăm cum este folosită astăzi și, de asemenea, să compilam instrucțiuni scurte prin aplicare.

Istoria vopselei de război

Se știe că vopsea de război A fost folosit și de vechii celți, care foloseau în acest scop albastru indigo obținut din gumă. Celții aplicau soluția rezultată pe corpul gol sau pictau părțile goale. Deși nu se poate spune cu deplină încredere că celții au fost primii care au venit cu ideea de a aplica vopsea de război pe față - lemnul a fost folosit încă din epoca neolitică.

Maorii din Noua Zeelandă aplicau modele simetrice permanente pe pielea feței și a corpului, care au fost numite „ta-moko”. Acest tip de tatuaj era extrem de important în cultura maori; poate fi citit de "ta-moko" statut social om, dar, în plus, a fost o încercare de a face „camuflaj permanent” și, în același timp, de a crea un prototip uniforma militara. În 1642, Abel Tasman a ajuns pentru prima dată pe țărmurile Noii Zeelande și s-a întâlnit față în față cu locuitorii locali. În jurnalele păstrate de atunci, nu există nici un cuvânt despre faptul că a întâlnit oameni cu tatuaje pe față. Iar expediția din 1769, care a inclus naturalistul Joseph Banks, a mărturisit în observațiile sale ciudate și tatuaje neobișnuite pe chipurile aborigenilor locali. Adică au trecut cel puțin încă o sută de ani înainte ca maorii să înceapă să folosească tatuaje.

lemn de vopsit

Indienii din America de Nord foloseau vopsele pentru a-și aplica modele pe piele, ceea ce i-a ajutat, ca și în cazul maoriilor, pentru personalizare. Indienii credeau că modelele îi vor ajuta să obțină protecţie magicăîn luptă, iar modelele de culoare de pe fețele luptătorilor i-au ajutat să pară mai feroce și mai periculoase

Pe lângă colorare propriul corp indienii puneau modele pe cai; se credea că un anumit model pe corpul calului l-ar proteja și i-ar da abilități magice. Unele simboluri însemnau că războinicul arăta respect față de zei sau a fost binecuvântat cu victorie. Aceste cunoștințe au fost transmise din generație în generație până când cultura a fost distrusă în timpul războaielor de cucerire.

Așa cum soldații moderni primesc premii pentru realizările lor în afacerile militare, indianul avea dreptul să aplice un anumit design numai după ce s-a remarcat în luptă. Prin urmare, fiecare semn și simbol de pe corp avea o semnificație importantă. Palma, de exemplu, însemna că indianul s-a remarcat în lupta corp la corp și avea abilități bune de luptă. În plus, amprenta palmei ar putea servi drept talisman, simbolizând că indianul ar fi invizibil pe câmpul de luptă. La rândul său, o femeie din trib, care a văzut un războinic indian cu amprenta mâinii, a înțeles că cu un astfel de bărbat nimic nu o amenința. Simbolismul tiparelor a depășit cu mult acțiunile rituale și semnele sociale; era necesar ca amuletă, ca placebo corporal care insuflă putere și curaj războinicului.

Nu numai markerii grafici au fost importanți, ci și baza de culoare a fiecărui simbol. Simbolurile pictate în roșu indicau sânge, putere, energie și succes în luptă, dar puteau avea și conotații complet pașnice - frumusețe și fericire - dacă fețele ar fi pictate cu culori similare.

Culoarea neagră însemna pregătire pentru război, putere, dar a purtat o energie mai agresivă. Acei războinici care s-au întors acasă după o bătălie victorioasă au fost marcați cu negru. Vechii romani au făcut același lucru când s-au întors la Roma călare după o victorie, dar și-au pictat fețele în culoare roșu aprins, imitându-și zeul războiului, Marte. culoare albaînsemna întristare, deși mai exista un alt sens - pacea. Modelele în culori albastre sau verzi au fost aplicate celor mai dezvoltați intelectual și cei mai iluminați din punct de vedere spiritual ai tribului. Aceste culori semnificau intelepciunea si rezistenta. Culoarea verde strâns asociată cu armonia și puterea providenței.

Mai târziu, indienii au început să folosească colorarea nu numai pentru intimidare, ci și ca camuflaj - au selectat culorile colorării în conformitate cu condițiile. Florile erau folosite pentru a „trata”, a proteja, a se pregăti pentru „o nouă viață”, a exprima starea interioarași statutul social și, desigur, pictura feței și corporale au fost aplicate ca elemente decorative.

Interpretarea modernă a vopselei de război este pur practică. Personalul militar aplică vopsea neagră de față sub ochi și pe obraji pentru a reduce reflexiile. razele de soare de la suprafața pielii, care nu este protejată de țesătură de camuflaj.

Acei războinici care s-au întors acasă după o bătălie victorioasă au fost marcați cu negru.

Reguli pentru aplicarea coloranților

Când privim o imagine, creierul procesează o cantitate imensă de informații primite de la ochi și alte simțuri. Pentru ca conștiința să extragă un sens din ceea ce vede, creierul se separă imagine de ansambluîn părți componente. Când ochiul se uită la linie verticala cu pete verzi, creierul primește un semnal și îl identifică ca un copac, iar când creierul percepe mulți, mulți copaci, îi vede ca pe o pădure.

Conștiința tinde să recunoască ceva ca obiect independent doar dacă acest obiect are o culoare continuă. Se dovedește că o persoană are șanse mult mai mari să fie remarcată dacă costumul său este absolut simplu. In jungla un numar mare de culorile într-un model de camuflaj vor fi percepute ca un obiect complet, deoarece jungla este literalmente alcătuită din părți mici.

Zonele expuse ale pielii reflectă lumina și atrag atenția. De obicei, pentru a aplica corect vopseaua, soldații se ajută reciproc înainte de începerea unei operațiuni. Părțile strălucitoare ale corpului - frunte, pomeți, nas, urechi și bărbie - sunt vopsite în Culori închise, iar zonele de umbră (sau întunecate) ale feței - în jurul ochilor, sub nas și sub bărbie - în nuanțe de verde deschis. Pe lângă față, colorarea se aplică și părților expuse ale corpului: ceafa, brațe și mâini.

Modelele de camuflaj în două tonuri sunt adesea aplicate aleatoriu. De obicei, palmele nu sunt camuflate, dar dacă în operațiunile militare mâinile sunt folosite ca instrument de comunicare, adică servesc la transmiterea de semnale tactice non-verbale, ele sunt și camuflate. În practică, trei sunt cel mai des folosite tip standard vopsele de față: argilă (culoare argilă), verde deschis, aplicabile pentru toate tipurile Forțele terestreîn zonele în care nu există suficientă vegetație verde și alb argilos pentru trupe pe teren înzăpezit.

În dezvoltarea vopselelor de protecție sunt luate în considerare două criterii principale: protecția și siguranța soldatului. Criteriul de siguranță înseamnă simplitate și ușurință în utilizare: atunci când un soldat aplică vopsea pe părțile expuse ale corpului, aceasta trebuie să rămână stabilă în condiții mediu inconjurator, rezistent la transpiratie si potrivit pentru uniforme. Pictura feței nu reduce sensibilitatea naturală a soldatului, practic nu are miros, nu provoacă iritații ale pielii și nu dăunează dacă vopseaua intră accidental în ochi sau gură.

Pielea expusă reflectă lumina și atrage atenția

Metode moderne

În prezent, există un prototip de vopsea care protejează pielea unui soldat de valul de căldură al unei explozii. Ce înseamnă: în realitate, valul de căldură de la explozie nu durează mai mult de două secunde, temperatura sa este de 600 ° C, dar de această dată este suficientă pentru a arde complet fața și a deteriora grav membrele neprotejate. După cum se menționează, material nou capabil să protejeze pielea expusă de la o arsură minoră timp de 15 secunde după explozie.