Detalii Categoria: Arte plastice și arhitectura secolului al XIX-lea Publicat 20.07.2017 16:39 Vizualizări: 1267

Subiectele preferate ale lui E. Degas erau caii în galop, balerinele la repetiții, spălătorii și călcătorii la serviciu, femeile care se îmbrăcau sau se pieptănau.
Cea mai cunoscută lucrare a lui E. Degas este „Dansatorii albaștri”.

E. Degas „Dansatorii albaștri” (1897). Hârtie, pastel. 65 x 65 cm.Muzeu Arte Frumoase lor. A. S. Pushkina (Moscova)
Tema dansului este tema preferată a artistului; ea s-a repetat de multe ori în desenele, picturile în ulei și pastelurile sale. Dar în ceea ce privește frumusețea armoniei culorilor și a compoziției, această lucrare este recunoscută ca fiind cea mai bună în acest subiect.
„Blue Dancers” a fost creat de el în perioada târzie a muncii sale de creație, când viziunea artistului a fost foarte slăbită și a început să lucreze cu pete mari de culoare.

Caracteristici ale operei lui Edgar Degas

Ceea ce aveau în comun toți impresioniștii, inclusiv Degas, era interesul pentru subiectele vieții moderne și dorința de a-l surprinde pe pânză într-un mod nou, neobișnuit. Însă peisajul, care a ocupat un loc central în opera impresioniștilor, a fost de puțin interes pentru Degas și nu s-a străduit să surprindă pe pânză jocul evaziv de lumini și umbre, ca Claude Monet. Dar culorile tremurătoare și luminoase de pe pânzele acestui artist îl apropie direct de impresioniști.

E. Degas „Doi dansatori de odihnă” (Blue Dancers) (1905-1910). Muzeul Orsay (Paris)
Pânzele lui Edgar Degas sunt adesea pline de o dramă specială de imagini; el reușește să transmită această dramă datorită unei compoziții neobișnuite, mișcări îndrăznețe a liniilor și figuri deplasate. Uneori, picturile sale seamănă cu o fotografie în care o parte a intrigii rămâne în culise.

E. Degas „Absint” (1876). Pânză, ulei. 92 x 68 cm.Muzeul Orsay (Paris)
În acest tablou, Degas îl descrie oameni adevărați: artistul Marcelin Deboutin și actrița, vedeta de cabaret Ellen Andre, la o masă din cafeneaua New Athens. Pozând pentru Degas, actrița a transmis cu acuratețe imaginea unei femei simple. Pe masa din fața ei este clar că nu este primul pahar de absint ( bautura alcoolica. Cea mai importantă componentă a absintului este extractul de pelin). Umerii femeii sunt plecați, privirea ei este plictisitoare. În fața însoțitorului ei stă un pahar de mazagran - mijloace populare dintr-o mahmureală. Acțiunea are loc cel mai probabil dimineața devreme.
Pe masa de langa femeie se afla un decantor cu apa pentru a dilua absintul. Ziarele montate pe o scândură de lemn și un pahar de chibrituri sunt așezate pentru vizitatori. Lumina dimineții trece prin oglinda din spatele cuplului.
Bărbatul privește în lateral, iar femeia privește indiferentă drept înainte. Oamenii sunt împreună, dar sunt singuri și separați.
E. Degas avea darul observației, acurateței și vigilenței trăsături distinctive. El a surprins cu ușurință și acuratețe gesturi, ipostaze și mișcări caracteristice, apoi le-a transmis pe pânzele sale cu o sinceritate extraordinară.
Degas s-a gândit întotdeauna cu atenție la compoziția picturilor sale și a realizat multe schițe și schițe. Fiecare dintre lucrările sale este rezultatul observațiilor și al muncii asidue. Nu-i plăcea improvizatul; pânzele lui erau întotdeauna complete și gânditoare.
Dacă la începutul carierei sale profesionale Degas a pictat în mod tradițional cu ulei pe pânză, atunci în anii săi de maturitate a experimentat mult cu diverse tehnici sau combinații de materiale. Adesea a pictat nu pe pânză, ci pe carton și a folosit echipamente diferiteîntr-o singură imagine. Degas „a căutat obosit noi tehnologii”.
Artistul a mai lucrat în fotografie, gravură și sculptură. La fel ca mulți dintre contemporanii săi, a fost influențat Grafică japoneză cu unghiurile ei neobișnuite, la care el însuși a recurs ulterior. Degas și-a dezvoltat propria viziune unică asupra impresiilor lumii din jurul său, a studiat cu insistență corpul uman.

E. Degas „Lecţia de dans” (1873-1875). Muzeul Orsay (Paris)
„De-a lungul întregii sale vieți”, scria Paul Valéry, „Degas a căutat în reprezentarea unei figuri goale, privită din toate punctele de vedere, într-un număr incredibil de ipostaze, în tot felul de mișcări, acel sistem unic de linii care ar exprima cu cea mai mare acuratețe nu numai un moment dat, ci și cea mai mare generalizare. Nici harul, nici poezia aparentă nu sunt printre scopurile sale. Lucrările Lui nu preamăresc nimic. În lucrare trebuie să lăsați un loc întâmplării, pentru ca să se nască un fel de descântec care să-l entuziasmeze pe artist, să ia în stăpânire paleta lui și să-i ghideze mâna. Dar Degas, un om inerent cu voință puternică, care nu a fost niciodată mulțumit de ceea ce a obținut imediat, care a avut o minte excesiv de critică și a fost prea educat de cei mai mari maeștri, nu s-a predat niciodată plăcerii directe în munca sa. Îmi place această severitate.”
În ultimii ani, principalul material de desen al lui Degas a devenit pastel(produs cel mai adesea sub formă de creioane colorate sau creioane fără cadru, în formă de bare cu o secțiune transversală rotundă sau pătrată). Pastelul se află pe linia dintre desen și pictură, permițând astfel artistului să devină un „colorist cu o linie”, așa cum a spus însuși Degas.

Din biografia artistului

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, sau Edgar Degas, s-a născut în 1834 la Paris în familia managerului sucursalei franceze a unei mari bănci fondată în Italia de bunicul lui Edgar Degas. Era cel mai mare dintre cinci copii. La vârsta de 13 ani, Edgar și-a pierdut mama, ceea ce a fost o lovitură gravă pentru el. Ulterior, Edgar și-a schimbat numele de familie din De Gas în cel mai puțin „aristocratic” Degas.

E. Degas „Tineri spartani” (1861)
Dar deja la începutul anilor 1860, Degas a devenit din nou interesat de scenele din viața modernă și, în primul rând, de cursele de cai.

E. Degas „Înainte de început” (1862-1880). Muzeul Orsay (Paris)
În 1861, Degas l-a întâlnit pe Edouard Manet, iar prietenia sa cu el a continuat până la sfârșitul vieții lui Manet. Apoi a fost o cunoaștere cu alți artiști impresioniști. Dar nu a acceptat toate tehnicile acestei direcții; de exemplu, nu-i plăcea să lucreze în aer liber, preferând lumea teatrului, a operei și a cafenelelor. El credea că atenția este împrăștiată în aer și prefera mediul studioului. În plus, acuratețea imaginilor sale era complet atipică pentru impresionism.
Ceea ce l-a apropiat de impresioniști a fost că încă știa să surprindă mișcarea. Ei - prin lumea în mișcare și tremurând, prin ciclul constant al naturii, și Degas - prin mișcarea omului.

E. Degas „Spălarea” (1886). Muzeul Hill Stand (Farmington, Connecticut, SUA)
După expoziția finală a impresioniștilor din 1886, artistul a încetat să-și mai expună opera public, preferând să-și vândă picturile la prețuri mari prin mai mulți agenți de vânzări.
Degas era o persoană foarte secretă; aproape nu existau informații despre viața personală a artistului.
Până la sfârșitul anilor 80, Degas și-a realizat dorința de a „deveni celebru și necunoscut”. Era practic, dar rezervat cerc îngust Prieteni apropiați. Și-a expus picturile doar în câteva locuri publice selectate, acest lucru a stârnit în el interesul din reviste de artă respectabile din Paris.
Până în 1882, vederea sa a început să se deterioreze brusc și a început să se îndrepte mai des către tehnicile pastelate și sculptura.
Cu aproape 10 ani înainte de moartea sa, Degas practic a încetat să scrie. Trăia singur. Edgar Degas a murit la 27 septembrie 1917 la Paris la vârsta de 83 de ani, fiind un maestru recunoscut și pictor cu autoritate, considerat unul dintre cei mai străluciți reprezentanți impresionism, un creator original.
„Pictura necesită puțin mister, puțină incertitudine, puțină imaginație. Când dai un sens complet clar, oamenii se plictisesc” (Edgar Degas).

E. Degas „Steaua de balet” (Prima Balerina) (1876-1878). Muzeul Orsay (Paris)

Edgar Degas (francez Edgar Degas; 19 iulie 1834, Paris - 27 septembrie 1917) - pictor francez, unul dintre cei mai proeminenți și originali reprezentanți ai mișcării impresioniste.

Biografia lui Edgar Degas

Degas s-a născut în familia unui bancher bogat, pasionat de artă.

În 1853, Degas a început să studieze dreptul și, în același timp, a luat lecții de pictură în atelierul lui Barrias. Din 1855 a frecventat cu regularitate Şcoala Arte Frumoase, unde lucrează în atelierul lui Lamotte, elev al lui Ingres.

Începând din 1854, timp de cinci ani, tânărul pictor a călătorit în repetate rânduri în Italia, unde a realizat schițe de sculptură antică; în Italia, i-a întâlnit pe artiștii francezi de salon Leon Bonnat și Gustav Moreau.

Creativitatea lui Degas

Primele lucrări ale lui Degas au fost gravuri. Influențat de pictorii istorici de salon și picturile vechilor maeștri pe care Degas le-a văzut în Italia, în anii 60 a început să picteze tablouri pe subiecte istorice, întunecate la culoare și uscate la formă.

Din 1865 până în 1870 a expus în mod regulat la salon. Curând, Degas l-a întâlnit pe Edouard Manet și s-a orientat către portrete, a căror schemă compozițională a fost împrumutată de la Manet, iar modelarea formei și claritatea caracteristicilor dezvăluie mâna unui artist original și talentat.

Temele istorice nu-l mulțumesc pe Degas; el își caută subiectele și le găsește în viața Parisului modern, în culisele teatrului, în spălătorii, atelierele de cusut și la curse.

Observarea ascuțită și interesul pentru modernitate l-au adus mai aproape de impresioniști, primele impresii ale căror căutări inovatoare le primise deja în atelierul lui Edouard Manet.

La fel ca impresioniștii, și-a îmbogățit paleta cu culori strălucitoare, pure, dar Degas a rămas indiferent față de peisaj - genul principal al impresioniștilor.

Principalul său mijloc de exprimare era figura umană. Degas a observat și studiat omul în mișcare în fiecare detaliu, petrecând multe ore cu un caiet în mână la repetițiile de balet, în culise la teatre și în tribune în timpul curselor. A căutat să surprindă mișcarea, să surprindă pe pânză, ca prin obiectivul unei camere, cele mai mici nuanțe ale ei, să pătrundă în însăși mecanica mișcării.

Degas a studiat cercetările biologice moderne asupra mecanismului de mișcare a animalelor și a oamenilor și a examinat instantanee nou apărute. Baletul și cursele de cai sunt acele domenii în care totul este subordonat mișcării. Minunații „Blue Dancers” transmit toată bogăția tehnicii lui Degas.

Plimbare cu calul
Doi dansatori Cai pe luncă

Spre deosebire de alți impresioniști, care au bazat culoarea unui tablou pe juxtapunerea petelor neclare de culoare, Degas a recurs adesea la creioane pastelate, aplicând unul după altul mișcări multicolore încrezătoare și fragile peste tabloul de bază în ulei.

Compoziția și desenul sunt elemente ale limbajului pictural cu ajutorul căruia Degas a încercat să depășească statica picturii de șevalet. A căutat unghiuri neașteptate, înfățișând figurile balerinelor în tot felul de ture, din lateral, din spate, de jos.

Aranjare în cadrul unui plan de imagine a mai multor figuri din unghiuri diferite, fiecare dintre ele pare înghețată într-un anumit stadiuîntoarcere sau pas, a creat iluzia procesului de mișcare. „Blue Dancers” și „Ride of the Racehorses” ale lui Degas sunt exemple ale acestei tehnici. Crearea iluziei de mișcare într-un tablou de șevalet este facilitată și de secțiuni strict gândite ale compoziției, cu un cadru și prim-planuri, ca și cum ar scoate mișcarea din imagine dincolo de limitele acesteia.

Degas a participat la aproape toate expozițiile impresioniste, începând cu prima; împreună cu Claude Monet, Pissarro și Renoir, a fost membru activ al „Grupului Artiștilor Independenți”. Cu toate acestea, el nu a împărtășit pe deplin punctele de vedere ale impresioniștilor și a fost adesea criticat de aceștia.

La sfârșitul vieții sale, în ciuda bolii progresive a ochilor, Degas a continuat să picteze în principal în pasteluri.

Edgar Degas a fost atât de fascinat de dansatorii de balet încât a creat peste 1.500 de lucrări în care îi prezentau.

„Sunt numit pictorul dansatorilor”, a scris Degas. „Balerinii au fost întotdeauna doar o scuză pentru mine pentru a descrie țesături minunate și a capta mișcarea.”

La fel ca Monet, Degas și-a pictat pânzele aproape orbește: artistul a suferit de degenerare timp de 20 de ani pată maculară. Drept urmare, în timp ce lucra la pânze, el și-a văzut propriile picturi într-un mod complet diferit de felul în care le-au văzut alții. Unul dintre criticii francezi a numit lucrările târzii ale lui Degas „dovezi tragice ale luptei artistului cu boala lui”.

Toate picturile lui Degas se remarcă prin faptul că înfățișează un moment, un moment foarte fragil. S-ar părea că Edgar Degas a văzut o anumită imagine complet accidental și a descris-o în grabă. Acesta este paradoxul. Când te uiți la pictura artistului, poate părea că a înghețat doar o secundă și în curând toate detaliile de pe ea vor începe să se miște. Și așa ar trebui să fie. Deci, credibil, Degas a transmis ritmul frenetic al vieții caracteristic timpului său.

Artistul avea o slăbiciune pentru mișcare și a vrut să o înfățișeze doar pe ea.

Degas nu a fost doar pictor, ci și sculptor și, cu atât mai interesant, grafician. Edgar Degas și-a arătat monotipurile unor oameni - doar celor în care avea încredere în mod special: colecționarii Roir și Vollard, scriitorul Louis Halévy, artiștii Gauguin și Toulouse Lautrec. Grafica lui Degas sunt schițe trecătoare, uneori făcute din memorie. Viata de zi cu zi Paris, sau mai bine zis Montmartre, sfârșitul secolului al XIX-lea

Recent, Schitul a găzduit o expoziție intitulată „Figură în mișcare”, care a prezentat sculpturi de Degas. Interesant, Degas nu a făcut niciodată bronz. Și-a făcut sculpturile din ceară, precum și din lut.

După moartea sa, în apartamentul său au fost găsite 150 de figurine de ceară - aproape toate erau asemănătoare picturilor sale: balerine, femei care spălau, călăreți. Rudele artistului au turnat aceste figuri în bronz.

Degas nu era un om foarte sărac, dar și-a petrecut bătrânețea într-un apartament mizerabil de burlac, fără prieteni sau sprijin. Înmormântarea, așa cum a lăsat-o moștenirea artistului, a fost liniștită și modestă.

Bibliografie

• Zernov B. A. Degas. M., L.: Artist sovietic, 1965.
• Edgar Degas // Galerie de artă, 4/2004, DeAgostini.
• Kostenevici A. G. Edgar Degas. Domeniul de acord. Note despre pictură. Sankt Petersburg: Muzeul Ermitaj de Stat, 2012. - 152 p., ill. - (Capodopere reînviate). 1000 de exemplare, ISBN 978-5-93572-474-0

La scrierea acestui articol s-au folosit materiale de pe următoarele site-uri:

Hilaire-Germain-Edgar de Gas, sau Edgar Degas(francez Edgar Degas; 19 iulie 1834, Paris - 27 septembrie 1917) - pictor francez, unul dintre cei mai proeminenți și originali reprezentanți ai mișcării impresioniste.

Biografie și creativitate

Degas s-a născut la 19 iulie 1834 la Paris, într-o familie bogată de origine aristocratică, Auguste de Gas și Celestine Musson. Era cel mai mare dintre cinci copii. La vârsta de 13 ani, Edgar și-a pierdut mama, ceea ce a fost o lovitură gravă pentru el. Mai târziu, în tinerețe, sub influența noilor idei sociale, Edgar și-a schimbat numele de familie din de Ga la un mai puțin „aristocratic” Degas.

Tatăl artistului, Auguste de Gas, conducea sucursala franceză a unei mari bănci fondată în Italia de bunicul lui Edgar Degas, René Hilaire de Gas. Hilaire de Gas a emigrat în Italia în timpul Revoluției Franceze, crezând că viața lui era în pericol. Mama lui Edgar, Celestine Musson, era din familie franceză, stabilit în America. Tatăl ei a fost broker la New Orleans Cotton Exchange.

Perioada timpurie

Degas a început să dezvolte dorința de a desena în copilărie. Cu toate acestea, tatăl său i-a prezis o carieră de avocat, dar Edgar nu avea prea multă dorință sau abilitate pentru drept, iar averea familiei i-a permis să picteze fără a-și face griji în mod special pentru mâncare. Neavând mare nevoie de bani, Degas și-a putut permite să nu-și vândă lucrările și să lucreze la ele din nou și din nou, luptă spre perfecțiune. Degas a fost un clar perfecționist, ajungând în punctul de a-și pierde simțul realității în pasiunea pentru armonia ideală. Deja la începutul lungii sale cariere creative, Degas era un artist de la care, după cum glumeau ei, doar luând un tablou se putea opri să lucreze la el.

La vârsta de 20 de ani (1854), Degas a intrat într-o ucenicie în atelierul celebrului artist Lamothe, care a fost la rândul său elev al marelui Ingres. Degas s-a întâmplat să-l vadă pe Ingres într-o familie pe care o cunoștea și și-a păstrat aspectul în memorie pentru o lungă perioadă de timp, iar de-a lungul vieții și-a păstrat dragostea pentru linia melodioasă și forma clară a lui Ingres. Degas iubea, de asemenea, alți mari desenatori - Nicolas Poussin, Hans Holbein - și le-a copiat lucrările la Luvru cu atâta diligență și pricepere încât a fost dificil să distingem copia de original.

Louis Lamothe era o figură destul de cunoscută la acea vreme, deși în epoca noastră opera acestui artist a fost practic uitată. Lamothe a reușit să transmită dragostea lui Degas pentru contururile clare, pe care Ingres însuși le-a apreciat atât de mult în desen. În 1855, Degas l-a putut vedea pe însuși Ingres, care avea atunci 75 de ani, ba chiar a primit sfaturi de la el: „Trasează linii, tinere, pe cât posibil, din memorie sau din viață”. Courbet și Delacroix au avut o anumită influență asupra operei lui Degas, dar Ingres a rămas adevărata autoritate recunoscută de acesta până la sfârșitul vieții pentru artist.

Edgar a studiat lucrările marilor maeștri ai picturii la Luvru, iar în timpul vieții a vizitat de mai multe ori Italia (unde locuiau rudele sale din partea tatălui său), unde a avut ocazia să se familiarizeze cu capodoperele maeștrilor din Renașterea italiană. Pictorul a fost interesat în special de asemenea vechi maeștri italieni precum Mantegna, Bellini, Ghirlandaio și Giotto. În această perioadă, Andrea Mantegna și Paolo Veronese au devenit idolii săi, a căror pictură inspirată și colorată l-a uimit literalmente pe tânărul artist. Lucrările sale timpurii se caracterizează prin desen ascuțit și precis, observație ascuțită, combinată fie cu o manieră nobilă și restrânsă de a picta (schițe ale fratelui său, 1856-1857, Luvru, Paris; desen al capului baronesei Bellely, 1859, Luvru, Paris), sau cu execuție dură, realistă, veridicitate (portretul unei cerșetoare italiene, 1857, colecție privată).

La începutul anilor 60 ai secolului al XIX-lea, Edgar Degas și-a deschis propriul atelier la Paris. La baza operei sale a fost portretul, dar Degas a acordat multă atenție și picturilor istorice. În timp ce se afla în Italia, Degas a pictat o serie de portrete înfățișând membri ai familiei sale. După aceasta, timp de câțiva ani, portretul a rămas unul dintre interesele sale puternice, alternând cu teme istorice. Cu toate acestea, deja la începutul anilor 1860, Degas a devenit din nou interesat de scenele din viața modernă și, în primul rând, de cursele de cai.

Picturi istorice

Acestea au fost dificile buna treaba, cu ajutorul cărora artista spera să devină celebră expunându-le la Salon. Un tânăr artist care dorea să expună la Salon, în prima jumătate a anilor şaizeci, s-a orientat către subiecte istorice: „Tinere spartane provocând tineri la concurs” (1860), „Semiramis lasă orașul” (1861), „Alexander și Bucephalus” (1861-1862), „Fiica lui Iefte” (1859-1860), „Episodul unui război medieval” („Dezastrele din Orleans”) (1865). Picturile sunt de culoare închisă și sunt destul de uscate ca formă. În prima dintre aceste picturi, mișcările figurilor umane pe pânză sunt lipsite de grație rafinată, sunt ascuțite și colțoase, acțiunea se desfășoară pe fundalul unui peisaj obișnuit de zi cu zi.

De fapt, Degas nu a finalizat niciodată niciuna dintre aceste lucrări, în ciuda numeroaselor desene pregătitoare și schițe în ulei. De exemplu, în „Exercițiile tinerilor spartani” a neglijat acuratețea istorică pentru a prezenta o temă într-un mod diferit și clar modern. istoria antica. A pictat întreg tabloul în spiritul clasic strict al lui Poussin, dar a dat chipurilor eroilor trăsăturile „copiilor din Montmartre”, trăsături ale tinereții din suburbiile pariziene care îi erau bine cunoscute. În Semiramis Building Babylon, Degas a creat o lucrare uluitor de originală, dar el însuși părea nesigur de direcția corectă a căutării sale. Dorința de a realiza o artă extrem de perfectă i-a făcut o glumă crudă lui Degas: mișcarea către ideal a devenit un scop în sine pentru artist. Astfel de lucrări au dat naștere să se vorbească despre eșecurile sau inconsecvența lui Degas în acest gen. Este imposibil să nu observăm, însă, că în mai multe picturi el a propus o soluție independentă la o problemă care s-a dovedit a fi dincolo de puterea altora care nu au putut să umple intriga cu propriile lor imagini.

Portretul familiei Belleli

Călătoriile prin Italia și influența pictorilor italieni din secolul al XV-lea l-au determinat pe Degas să creeze un portret de grup al familiei Belleli. Tradițiile clasice în compoziția de pe această pânză coexistă cu personaje caracteristice, ceea ce distinge pozitiv această lucrare a artistului. Acest portret de grup impunător o înfățișează pe mătușa lui Degas, Laura, împreună cu soțul ei, baronul Gennaro Bellelli, și cei doi copii ai lor. Laura este însă însărcinată cu al treilea copil rochie neagra isi ascunde pozitia. În acest timp, ea a continuat să-și plângă tatăl, bunicul lui Degas, care murise recent - portretul lui atârnă în spatele Laurei. Degas a început să picteze acest tablou în 1858, în timp ce își vizita rudele din Florența. Aici a făcut multe schițe preliminare, dar a scris versiunea finală după ce s-a întors la Paris în 1859. În acel moment, acest portret era cea mai ambițioasă lucrare a artistului. Cifrele de aici sunt descrise aproape în mărime naturală, iar imaginea în sine pare atent gândită. Puterea și profunzimea compoziției dezvăluie dorința artistului de a urma exemplele Renașterii italiene și tradițiile maeștrilor generației mai vechi, în special Ingrou, care a creat cândva o serie de portrete remarcabile în Italia. În același timp, pictura se remarcă prin prospețimea sa și viziunea individuală asupra artistului. Pozele persoanelor care stau în portret sunt neconvenționale, iar în general pânza transmite atmosfera de legături de familie puternice, deși, de fapt, căsătoria Laurei nu poate fi numită fericită.

Iată o altă descriere a acestui tablou de către un cunoscător și cunoscător al artei: „În comparație cu portretul oficial de salon, pentru care acuratețea fotografică, punerea în scenă fotografică și autenticitatea instantaneului erau o condiție indispensabilă a esteticii, pictura în curajul ei și adevărul a însemnat o adevărată revoluție. Cifrele nu pozează ca în fotografiile contemporane și portretele de salon de calitate medie. Doar Giovanna, una dintre fiice, se uită la privitorul imaginar, celelalte figuri sunt concentrate una pe cealaltă. Baroana stă liberă, are o postură mândră, dreaptă și primă. Micuța Julia este smulsă într-un moment de emoție de moment. Ea stă pe marginea unui scaun, piciorul stâng este ascuns - o tehnică a maestrului, cu care el transmite spontaneitate spontană. Pentru pictura academică din acea vreme, aceasta a fost o profanare clară a sacrului... În această imagine există deja un indiciu al modului de viziune care va fi atunci atât de uimitor la Degas, când, în orice motiv, el va rămâne nechibzuit doar el însuși. ” (E. Hüttinger).

Impresionişti şi Degas

Edgar Degas. Cai de curse în fața tribunelor. 1869-1872 Muzeul Orsay, Paris.

În 1861, Degas l-a cunoscut pe Edouard Manet, a cărui prietenie a continuat până la sfârșitul vieții acestuia din urmă. Fiind o persoană foarte autorizată în rândul tinerilor artiști, șeful informal al grupului Batignolles, Manet l-a prezentat pe Degas tinerilor pictori care mai târziu au devenit cunoscuți ca impresionişti. În puținele cercuri care au unit artiștii, Degas a avut, fără îndoială, o reputație înaltă datorită manierelor sale, culturii subtile, curtoaziei și farmecului său unic, combinat cu ascuțimea - toate acestea i-au trezit un anumit respect.

Degas și Edouard Manet împărtășesc o respingere comună a artei de salon academic. Degas era mai interesat de viața modernă în toate manifestările ei decât de subiectele chinuite ale picturilor expuse la Salon. De asemenea, nu a acceptat dorința impresioniștilor de a lucra în aer liber, preferând lumea teatrului, a operei și a cafenelelor. Mai mult, nu-i plăcea plein air, crezând că atenția era împrăștiată în aer și prefera necondiționat mediul controlat al studioului. Pentru că stilul lui Degas s-a bazat pe desenul frumos, picturile sale au o precizie de reprezentare complet atipică impresionismului.

Aderând la concepții destul de conservatoare atât în ​​politică, cât și în viața personală, Degas a fost extrem de inventiv în căutarea de noi motive în picturile sale, folosind unghiuri și prim-planuri neașteptate („Miss Lala at the Circus of Fernando”, 1879, National Gallery, Londra). „Momente prinse” - poate așa s-ar putea spune despre multe dintre lucrările lui Edgar Degas. Aceasta este afinitatea lui interioară profundă cu impresioniștii. Toți erau poeți ai unei lumi reverenți, în mișcare, toți înțelegeau viața ca mișcare constantă. Și dacă pictorii de peisaj au înțeles acest lucru prin mișcarea aerului, a luminii, a anotimpurilor schimbătoare ale zilei și ale anului, prin ciclul constant al naturii, atunci Degas a căutat să transmită esența vie a lumii prin mișcarea umană.

Anii 1860 în Franța au fost marcați de săturarea tinerei intelectualități progresiste cu fundamentele burgheze ale Imperiului lui Napoleon al III-lea. Un nou val de artiști a spart ideile tradiționale despre pictură, despre intrigile și personajele picturilor, introducând în cercul lor scene simple din viața Franței napoleoniene. Modul și strălucirea muncii lor erau apropiate de Edgar Degas. El, însă, spre deosebire de impresioniști, a fost un artist mai social; îndepărtându-se de tradiţiile clasicismului şi romantismului vechilor şcoli de pictură din Franţa, el mai multa atentie nu a acordat atenție celor distrași look-uri de zi cu zi viața modernă, dar pe subiecte legate de munca cotidiană, adesea grea, a contemporanilor săi.

Impresioniștii au acordat mai multă atenție luminii (aici ne putem aminti de picturile lui Manet și Monet), Edgar Degas, la rândul său, a acordat mai multă atenție mișcării.

Chiar și un anumit succes al picturii istorice a lui Degas " Nenorocirile orașului Orleans„la Salonul din 1865 nu l-au descurajat pe artist de la dorința lui conștientă de a reprezenta viața modernăîn noua lui manieră, oarecum revoluționară, pentru vremea aceea.

Criticii sunt adesea de acord că, în ciuda reticenței lui Degas (spre deosebire de impresioniști) de a lucra en plein air, munca lor este fundamental foarte asemănătoare, ceea ce, la rândul său, îi permite lui Edgar Degas să fie clasificat printre impresioniști. În același timp, Degas însuși a respins termenul „impresionism”, precum și unele dintre principiile creativității artiștilor inovatori, iar spre sfârșitul vieții s-a distanțat de societatea lor. Rămâne de amintit că împărțirea picturii, precum și a pictorilor, în stiluri este întotdeauna foarte arbitrară. Însăși denumirile mișcărilor și stilurilor, de regulă, sunt aleatorii, au apărut și s-au consolidat spontan și spun puțin despre fenomenul de artă care este numit. Mai degrabă, vorbim despre un fel de impuls comun epocii, exprimat de fiecare artist în mod individual și unic.

Războiul franco-prusac

În 1870, valul războiului franco-prusac a ajuns la Paris. La fel ca Manet, Degas s-a oferit voluntar pentru armată. A slujit în infanterie și artilerie. Degas s-a oferit voluntar pentru regimentul de infanterie, dar chiar de la prima filmare s-a descoperit că artistul nu putea vedea bine la ochiul drept - acesta a fost începutul unei boli care s-a transformat în orbire aproape completă la sfârșitul vieții. Din cauza vederii slabe, Degas a fost transferat la un regiment de artilerie.

Edgar Degas. Spalatul. 1886 Hill Stand Museum, Farmington, Connecticut, SUA.

Anii șaptezeci și expoziții impresioniste

La sfârșitul războiului, Degas a vizitat Marea Britanie, apoi a vizitat SUA, unde locuiau rudele sale linie maternă. În 1871, când războiul s-a încheiat, artistul a făcut o scurtă călătorie la Londra, iar în iarna anilor 1872-1873 a petrecut câteva luni la New Orleans, alături de rudele sale americane. Una dintre verișoarele lui Edgar, Estelle Musson, era oarbă, iar Degas simțea o simpatie specială pentru ea, chiar și atunci simțind că el însuși putea să-și piardă vederea în curând.

În 1873, artistul s-a întors la Paris. Au venit vremuri grele pentru el: tatăl său a murit, lăsând datorii mari. Potrivit altor surse, datoriile au fost rezultatul unor tranzacții nereușite la bursa americană de bumbac a fraților Degas, care au moștenit biroul de brokeraj al unchiului lor. Dorind să păstreze reputația familiei, Degas a plătit o parte din datorie din banii moșteniți, dar acest lucru nu a fost suficient. Nu numai că a trebuit să vândă casa și colecția tatălui său de picturi ale vechilor maeștri, dar și, pentru prima dată, să se gândească la vânzarea propriilor lucrări. Cunoașterea impresioniștilor a fost foarte utilă - Degas a participat la aproape toate expozițiile lor începând cu 1874.

Între 1874 și 1886 au avut loc opt expoziții impresioniste, iar Degas a participat la șapte dintre ele, lipsind doar penultima, în 1882. Fiind un desenator remarcabil, Degas a reușit să descrie viața contemporană cu o abilitate demnă de pensulele artiștilor din vremuri trecute. Criza financiară Problema pe care Degas a experimentat-o ​​după moartea tatălui său a fost depășită după câțiva ani de muncă intensă, zilnică, iar până în 1880 Degas devenise o figură proeminentă și respectată în lumea artei pariziene. După ultima expoziție impresionistă din 1886, artistul a încetat să-și mai expună opera public, preferând să-și vândă picturile la prețuri mari prin mai mulți agenți de vânzări.

Dansatorii degasați

Popularitatea extraordinară a scenelor de balet surprinse de Degas este ușor de explicat, întrucât artista ne arată lumea grației și a frumuseții, fără a cădea într-un sentimentalism excesiv. Ei au transmis viața baletului atât de viu, încât ne puteți imagina cu ușurință cât de proaspete și originale au părut aceste picturi contemporanilor lui Degas. Artiștii care au scris balet înainte de Degas, fie s-au aranjat geometric compoziții corecte, sau vedete de balet înfățișate înclinându-se grațios. Astfel de portrete aminteau de fotografiile vedetelor de film de la Hollywood făcute pentru coperta unei reviste lucioase.

„Sunt numit pictorul dansatorilor”, a scris Degas. De fapt, a abordat acest subiect des. Dar este complet greșit să credem că Degas era un erotoman. „Balerinii au fost întotdeauna pentru mine doar o scuză pentru a descrie țesături minunate și a capta mișcarea”, a spus Degas.

O intrare interesantă din „Jurnalul” lui Edmond de Goncourt, făcută la 13 februarie 1874: „Ieri am petrecut toată ziua în atelierul unui artist uimitor pe nume Degas. După multe încercări, experimente, tatonări în toate direcțiile, s-a îndrăgostit de tot ce este modern, iar în această modernitate și-a fixat privirea asupra spălătorilor și dansatoarelor. În esență, alegerea nu este atât de rea. Totul este alb și roz; corpul feminin în cambric și tifon este cea mai fermecătoare ocazie de folosire a tonurilor ușoare și delicate... Dansatorii trec prin fața ochilor noștri... Tabloul înfățișează un foaier de balet, unde pe fundalul unei ferestre luminoase contururile fantastice ale ies la iveală picioarele dansatorilor care coboară scările; Printre toți acești nori albi care se umflă, plutește o pată roșie de tartan, iar figura amuzantă a coregrafului stă într-un contrast puternic. Și în fața noastră apar îndoirile grațioase ale trupurilor, întoarcerile și mișcările acestor fetițe, surprinse în natură.Artistul își arată picturile, suplimentând din când în când explicațiile cu reproducerea unei figuri coregrafice, o imitație, în limbaj. a dansatorilor, a unuia dintre arabescuri. Și este cu adevărat amuzant să vezi cum el, stând în picioare, cu brațele ridicate deasupra capului, amestecă estetica dansului cu estetica picturii, vorbind despre tonurile necurate ale lui Velazquez și silueta lui Mantegna.”

Pe vremuri, Antoine Watteau, un iubitor de intrigi teatrale, a preferat să picteze doamne frivole fermecătoare și tineri melancolici grațioși în ipostaze înghețate simulate, care pentru Watteau erau un simbol vizibil al frumuseții unei lumi convenționale și fragile - frumoase, separate de irealitatea sa din viața de zi cu zi. Fiind un observator impecabil, Degas a observat ceva ce nu a atras niciodată atenția artiștilor din anii precedenți: mișcarea mâinii unei doamne care stă lângă el, sau binoclu lăsat de cineva, sau un evantai singuratic uitat pe un fotoliu de un tânăr. fată. Ar putea Antoine Watteau să-și permită să înfățișeze o scenă, privind-o prin sute de spectatori așezați în sală, să înfățișeze nu acțiunea în sine, ci profilul unui vecin întâmplător, o conversație auzită involuntar și expresiile faciale ale interlocutorilor săi? Edgar Degas a perceput teatrul în acest fel. Tema dansatorilor lui Degas a fost puternic influențată de Honoré Daumier. În litografiile sale, a înfățișat scene de teatru aleatorii smulse din planul general; a transformat chipurile în măști grotești, amintind de măștile de teatru ale lui Callot.

Figuri fragile și fără greutate de balerine apar în fața privitorului fie în amurgul orelor de dans, fie în lumina reflectoarelor pe scenă, fie în scurte minute de odihnă. Aparenta lipsă de artă a compoziției și poziția dezinteresată a autorului creează impresia de a spiona viața altcuiva („Cursul de dans”, 1873-1875; „Dansator pe scenă”, 1878 - ambele la Muzeul Orsay, Paris; „Dansătorii” la repetiție”, 1879, Muzeul Pușkin, Moscova; „Dansatorii albaștri”, 1890, Muzeul Orsay, Paris). Aceeași detașare se observă și la Degas în reprezentarea nudurilor.

S-a spus de multe ori despre detașarea lui Degas în raport cu modelele sale. De fapt, reprezentarea dansatorilor din picturile lui Degas este lipsită de sentiment erotic sau de sentimentul oricărui contact uman personal. Unii experți în opera lui Degas cred că se poate observa contrastul dintre obiectivitatea nepasională în reprezentarea personajelor - și sentimentul cald și plin de viață revărsat în pictura în sine. Această afirmație este poate aproape de obiectivitate unde vorbim despre culoarea fundalului, dar afirmația că picturile lui Degas poartă atât ironia subtilă, ușor tristă a artistului, cât și tandrețea sa profundă pentru modele, este asemănătoare cu emoționalitatea artei. critică însuși și nu poate fi dovedit. În general, sfera sentimentelor din picturile multor artiști nu este exprimată direct, iar toate descrierile spectrului de emoții care se presupune că există într-o anumită pictură sunt doar fantezii care nu pot fi nici dovedite, nici infirmate. Aceasta este puterea și slăbiciunea lor.

Reprezentarea cafenelelor făcută de Degas

Cea mai exactă dovadă a cântătorilor de cafenea provine din peria unui aristocrat și obișnuit al saloanelor elegante din Parc Monceau, Edgar Degas, care l-a precedat pe Toulouse-Lautrec cu un deceniu întreg. Pe parcursul ultimei treimi a secolului al XIX-lea, înainte de apariția cinematografiei, cafenelele au rămas un loc preferat de vacanță pentru parizieni. Aceste unități erau foarte diverse și se găseau peste tot, precum cinematografele în zilele noastre: pe Montmartre, bulevardul Strasbourg, pe Champs Elysees și în suburbii. Cele mai atractive au fost, desigur, cele care s-au deschis vara, pe aer proaspat, în grădini iluminate cu baloane albe cu gaz.

Degas, căruia nu-i plăcea spațiile deschise, a preferat iluminatul artificial; iluminatul cu gaz l-a ajutat să găsească noi soluții. El le-a spus prietenilor săi impresioniști: „Voi aveți nevoie de viață naturală, eu am nevoie de viață artificială”. Și totuși, scenele din viața cântătorilor de cafenele de pe pânzele sale au răspuns sarcinii primare pe care impresioniștii și-au propus-o - să reflecte modernitatea. L-au atras democrația și chiar o oarecare vulgaritate a cafenelelor. Această atmosferă l-a amuzat și l-a distrat pe Degas. Au fost acolo personalități extraordinare: ventriloci, excentrici, patrioți, țărănci, doamne sentimentale, epileptice... Tipuri de acest gen încă există și, dacă te gândești bine, orice vedetă pop modernă poate fi încadrată într-una din aceste categorii. Degas nu avea nicio preferință; a vizitat de bunăvoie atât unitățile elegante de pe Champs Elysees, La Scala, Ba-Ta-Clan, Elisée-Montmartre, cât și tavernele dubioase din Belleville și La Villette, unde a fost atras de siluete neobișnuite.

Viata personala

În viața personală, Degas a fost atât rezervat, cât și temperat; a avut accese de furie. Prietenii și membrii familiei l-au descris pe Degas ca fiind stângaci om corect. Și într-adevăr, odată a fost numit cu afecțiune „ursuleț” pentru mormăiturile și mormăiturile sale frecvente. Atitudinea lui Degas faţă de propriul corp era liber de convenții. De fapt, cada, pe care o vedem adesea în numeroasele sale tablouri târzii cu femei care se spală, a fost plasată cu îndrăzneală de el în mijlocul studioului. Era cunoscut și ca un actor mimic capabil.

Nu există nicio dovadă a dorinței lui Degas intimitatea fizică la balerini sau la oricare dintre modelele sale, precum și orice alte informații despre viața personală a artistului. Nimeni nu știa dacă Degas are o amantă. Degas însuși nu a vorbit niciodată despre relațiile lui cu femeile.

„Birou din bumbac”

La întoarcerea în Franța, Degas creează „ Birou de bumbac„(1873), o pictură remarcabilă prin compoziție, expresie, lumină și culoare. Degas a pictat această imagine în timpul unei călătorii la rudele sale din New Orleans. Subiectul pe care l-a ales pentru pânza sa - un birou de afaceri - fusese înainte cu grijă evitat de toți artiștii. Portretele precise ale personajelor lui Degas se încadrează superb în atmosfera unui cadru de afaceri, iar în ansamblu tabloul este o schiță plină de viață a vieții de zi cu zi, ecou mai mult romanele lui Émile Zola decât majoritatea lucrărilor pictorilor contemporani ai lui Degas. New Orleans era la acea vreme al patrulea oraș ca mărime din Statele Unite, iar ca port maritim rivaliza cu principalul port al țării, New York. Baza prosperității orașului a fost comerțul cu bumbac. Degas i-a scris prietenului său: „O palmă. Toată lumea de aici trăiește numai din bumbac și pentru bumbac.” În primul plan al imaginii stă unchiul lui Degas, Michel Musson, un broker la bursa de bumbac; fratele artistului, René de Gas, este arătat citind un ziar, în timp ce celălalt frate al său, Achille de Gas, se sprijină de peretele despărțitor din fundal din stânga. Rene și Achille au importat vin în New Orleans, iar Degas era mândru de succesul lor. Aici, la biroul unchiului lor, s-au oprit pentru o vreme și, prin urmare, se încurcă în timp ce toți ceilalți sunt ocupați cu munca. Deși opera dă impresia de spontaneitate, compoziția sa a fost gândită la fel de atent ca în toate picturile lui Degas. De exemplu, figurile îmbrăcate în negru sunt aranjate astfel încât să iasă în evidență luminos în fundal și să pară să iasă din tablou. Mai târziu, a pictat un portret al artistului Lepik („Place de la Concorde”) - într-o anumită măsură, un tip revoluționar de artă portretistică, când mediul personajului principal (condițional) are nu mai puțină greutate, valoare și semnificație decât eroul portretului.

„Unitatea lui Tellier”

Lucrările din seria de schițe Montmartre au fost comandate de Degas pentru ediția de lux a lui The Cardinal Family, concepută de Louis Halévy. În acest scop, a adunat numeroase schițe, litografii, monotipuri și desene. Subiectul l-a interesat pe Degas, iar acesta a continuat să o dezvolte cu entuziasm, în spiritul lui Rabelais, ceea ce este cu atât mai ciudat, cu cât Alevi și-a abandonat curând planul. În timpul vieții lui Degas, acestea au continuat o remediere rapidă Lucrările au fost văzute doar de câțiva norocoși, printre care și Renoir, care a fost încântat de ele. Vollard a reușit să obțină mai multe desene pentru a le folosi ca ilustrații pentru Tellier's Establishment by Maupassant și Grimaces of the Courtesans de Pierre Louis. Doar datorită unei coincidențe atât de fericite, această latură puțin cunoscută a muncii lui Degas a ajuns la noi. Sub pretextul că vrea să lase nepătată memoria fratelui său, Rene de Gas a distrus după moartea sa majoritatea desenelor pe care le-a găsit în atelierul lui Edgar.

Vollard, mereu lent în a-și pune în aplicare planurile, a publicat Tellier's Establishment cu ilustrații de Degas abia în 1934. Cartea s-a dovedit uimitoare; După ce a cumpărat un exemplar, Picasso a considerat-o o perlă în colecția sa. Ulterior a lăsat-o moștenire la Luvru, unde este încă expusă în colecția sa personală.

Pasteluri de Degas

Pastelurile constau dintr-un pigment colorant sub formă de pulbere amestecat cu o cantitate mică de substanță lipicioasă (de obicei gumă arabică) și presat într-o formă de creion. Pastelul poate da atât un ton foarte bogat, cât și foarte slab, dar are un mare dezavantaj: stratul de pastel aplicat pe suprafață este extrem de de scurtă durată și poate fi distrus la cea mai mică atingere. Pentru a evita acest lucru, suprafața este tratată compoziție specială, protejând designul, dar culorile se estompează vizibil. Artiștii au început să folosească pastelul la sfârșitul secolului al XV-lea, iar în secolul al XVIII-lea pastelul era în mod special la modă și în primul rând în portrete. Apoi a venit o perioadă în care pastelul a fost uitat, iar interesul pentru el s-a trezit abia în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Unii artiști impresioniști de top au folosit cu ușurință pastelurile, apreciindu-le pentru prospețimea tonului și viteza cu care le-au permis să lucreze.

De-a lungul anilor, Degas preferă tot mai mult pastelurile, adesea în combinație cu monotipul, litografia sau guașa. Pastelul atrage maestrul prin noblețea, puritatea și prospețimea culorii, textura catifelată a suprafeței, vivacitatea și vibrația incitantă a loviturii. Nimeni nu putea egala măiestria pastelului a lui Degas, care l-a folosit cu o putere și o ingeniozitate pe care niciunul dintre contemporanii săi nu le dobândise. Degas este un colorist subtil; pastelurile sale sunt fie armonioase și ușoare, fie, dimpotrivă, construite pe contraste puternice de culoare. Picturile sale par a fi scene aleatorii smulse din curgerea vieții, dar acest „accident” este rodul unei compoziții chibzuite, în care un fragment decupat dintr-o figură sau o clădire subliniază imediatul impresiei.

Stilul lui Degas a fost remarcabil prin libertatea sa uimitoare; el a aplicat pasteluri cu linii îndrăznețe, întrerupte, lăsând uneori tonul hârtiei să se arate prin pastel sau adăugând linii în ulei sau acuarelă. Una dintre descoperirile artistului a fost tratarea picturii cu abur, după care pastelul s-a înmuiat și putea fi umbrit cu o pensulă sau cu degetele. În lucrările sale ulterioare, amintind de un caleidoscop festiv de lumini, Degas a fost obsedat de dorința de a transmite ritmul și mișcarea scenei. Pentru a da vopselelor o strălucire deosebită și a le face să strălucească, artistul a dizolvat pasteluri apa fierbinte, transformându-l într-un fel de vopsea în ulei și aplicat-o pe pânză cu o pensulă. Lucrările târzii ale lui Degas se remarcă și prin intensitatea și bogăția culorilor, care sunt completate de efecte. iluminat artificial, forme mărite, aproape plane, spațiu înghesuit, dându-le un caracter intens dramatic („Dansatorii albaștri”, pastel, Muzeul de Stat de Arte Frumoase, Moscova).

Degas nu numai că a folosit tehnica pastelului într-un mod nou, ci și a creat cu ajutorul ei picturi de dimensiuni mai mari decât lucrările pastelate ale altor artiști. Uneori coasea mai multe foi împreună pentru a obține suprafața de dimensiunea de care avea nevoie. În lor munci recente pasteluri, executate deja când vederea îi era foarte slăbită, formele maiestuoase se dizolvă aproape complet într-un foc de culori aprinse. Istoricul de artă american George Heard Hamilton a scris despre aceste lucrări ale lui Degas: „Culoarea picturilor sale a fost ultimul și cel mai mare dar al artistului”. artă contemporană. Până și Degas, care își pierdea vederea, a rămas aproape de paleta fauvista.”

Tehnica pastelului i-a permis lui Degas să-și demonstreze mai clar talentul de desenator și dragostea pentru linia expresivă. În același timp, tonurile bogate și o notă „sclipitoare” de pastel l-au ajutat pe artist să creeze acea atmosferă colorată deosebită, acea aerisire irizată care îi distinge atât de mult opera. Privind pastelurile lui Degas, realizezi cu o claritate deosebită esența noilor realizări ale picturii. Culoarea aici apare în fața ochilor tăi dintr-o strălucire irizată, dintr-un flux de „particule elementare” curcubeu, dintr-un vortex de linii de „forță” care se intersectează. Totul aici este plin de mișcare semnificativă. Cursul liniilor dă naștere formei, iar culoarea se naște dintr-un vârtej de mișcări colorate. Acest lucru este vizibil în special în „Dansatorii albaștri” de la Muzeul din Moscova, unde o melodie de dans pare să iasă din strălucirea curcubeului a tonurilor pure. Dintre zece lucrări ale lui Edgar Degas păstrate în muzeele rusești, doar una („Dansatorul la fotograf” de la Muzeul de Arte Frumoase Pușkin) a fost pictată în vopsele de ulei. Restul sunt realizate în pasteluri.

De-a lungul vieții sale, Degas a creat un număr mare de schițe pregătitoare și lucrări terminate. A lui lucrări grafice pot servi ca dovadă a creșterii creative prin care a trecut artistul; ele demonstrează clar modul în care maestrul a compus compoziții în pastel care înfățișează scene de dans din schițe, mișcări și ipostaze individuale. În aceste lucrări, abordarea coloristică a autorului este mult mai îndrăzneață decât în ​​picturile sale. În ele a folosit culoarea liber și clar.

Mai târziu creativitate

Până la sfârșitul anilor 80, Degas și-a realizat în esență dorința de a „deveni celebru și necunoscut”. Era practic și știa să-și folosească influența, era în contact permanent cu mulți artiști, iar o astfel de activitate a început să-i enerveze pe unii dintre colegii săi. Ca o dovadă în plus că este încrezător în talentul său și calm în privința poziției sale, Degas se izolează într-un cerc restrâns de prieteni apropiați. Este expus doar în câteva locuri publice selecte, ceea ce atrage interesul revistelor de artă respectabile din Paris. Productivitatea lui Degas crește, numărul lucrărilor finalizate destinate vânzării crește, în timp ce în același timp își planifică atent strategia de licitație cu un grup de comercianți de încredere. Cel mai proeminent dintre ei a fost Durand-Ruel, pe care Degas l-a cunoscut la începutul anilor '70. Degas era conștient de presiunile presei comerciale și pare să fi făcut distincția între „mărfurile” sale orientate spre piață, așa cum le-a numit el, și restul lucrărilor sale. Primele s-au caracterizat în primul rând printr-un grad ridicat de finisare, cele din urmă au fost în mod clar mai avangardiste. Câțiva dintre ei au ajuns în galeria lui Theo Van Gogh (fratele lui Vincent). Deși Degas s-a mutat din ce în ce mai departe de acela proeminent și rol activ, pe care a jucat în comunitatea artiștilor parizieni, influența sa asupra tinerei generații a crescut. Degas nu a avut niciodată studenți, dar mulți artiști, de exemplu, Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec, și-au recunoscut influența asupra artei lor.

Nu este ușor de evaluat lucrările ulterioare ale lui Degas. Cert este că undeva în 1886 a încetat să mai folosească caieteși din ei cercetătorii au cules o mulțime de informații despre perioadele timpurii creativitatea lui. Începând cu anii 90, lucrările lui Degas poartă amprenta unui om în vârstă, al cărui trup, suflet și moral au fost supuse unor încercări severe în ultimii douăzeci și șapte de ani ai vieții sale. Inteligența și umorul au făcut loc unui ton mai serios, productivitatea creativă a scăzut treptat din cauza orbirii iminente. S-a remarcat că în lucrările acestei perioade Degas a adus un omagiu pe deplin elementelor abstracte ale artei sale. Intensitatea culorii a crescut, iar linia a devenit mai energică și mai expresivă. Deși spațiul, ca și înainte, a rămas teatral (ireal) sau nedefinit, figurile, acum erau în mare parte scălătoare, nici nu au fost cruțate de timp, nu fără efort fac față trupurilor lor slăbite. Și totuși, ele conțin voința puternică și neîntreruptă a artistului însuși. Adesea aceste lucrări târzii sunt interpretate ca fiind pur și simplu rezultatul infirmităților senile ale artistului, asuprit de orbirea progresivă, devenind intolerant, suferind de melancolie și singurătate, transformându-se într-un antisemit sub influența afacerii Dreyfus. Da, tot ce s-a spus mai sus este adevărat, dar este și adevărat că Degas nu și-a pierdut flexibilitatea minții, a rămas o personalitate strălucitoare controversată și a căutat noi drumuri în artă.

Până în 1882, viziunea artistului a început să se deterioreze brusc, iar Degas a început să se orienteze către tehnici pastelate, apoi spre sculptură. Figurile descrise în pânzele sale ulterioare sunt întotdeauna mărite ca și cum artistul le-ar fi văzut de la o distanță foarte apropiată. Edgar Degas a fost un artist aproape universal, nu numai în ceea ce privește genurile, ci și în ceea ce privește tehnica în care și-a interpretat opera. Treptat, Degas a trecut aproape în întregime de la ulei la pastel, deoarece această tehnică i-a permis să simtă apropierea de suprafața picturii și i-a permis să-și obosească mai puțin ochii. Dar pastelul cade din imagine, trebuie reparat solutie speciala, iar ca rezultat culorile se întunecă. Prin urmare, în cele din urmă, Degas și-a inventat propriul mod de a face ulei cu caracteristici apropiate de pastel și a început să picteze în ulei folosind tehnica pastelului.

Sculpturi Degas

Degas a început să facă mici sculpturi de ceară la sfârșitul anilor 1860 și, pe măsură ce vederea i s-a deteriorat, artistul a acordat din ce în ce mai multă atenție acestui gen. Temele sculpturilor lui Degas au repetat temele picturilor sale - dansatori, scălător sau jochei în galop. Degas a sculptat pentru el însuși aceste lucrări, i-au înlocuit schițele și a finalizat doar câteva sculpturi. De-a lungul timpului, Degas apelează din ce în ce mai des la sculptură, deoarece aici se poate baza mai mult pe simțul tactil decât pe vederea aproape pierdută. Degas însuși nu a lucrat cu metal sau piatră: a făcut doar sculpturi din materiale moi exclusiv pentru tine. În figurile balerinelor, scălătoarelor, cailor (studii adesea sculptate), Degas a căutat o redare plastică expresivă a mișcării instantanee, claritatea și neașteptarea ipostazei, păstrând în același timp integritatea plastică și constructivitatea figurii.

Sprijinit de prietenul său sculptor Bartolome, Degas a creat un număr mare de figuri de ceară și lut de dansatori și cai. Degas a apreciat ceara pentru caracterul ei schimbător; prietenii care au vizitat atelierul artistului au găsit uneori o minge de ceară la locul sculpturii: se pare că Degas a considerat opera sa un eșec. Degas nu a expus niciodată niciuna dintre aceste sculpturi, cu excepția „Micul dansator de paisprezece ani”. După moartea lui Degas, aproximativ 70 de lucrări supraviețuitoare au fost găsite în atelierul său, iar moștenitorii artistului le-au transformat în bronz - Degas însuși nu a lucrat niciodată cu bronzul. Primele exemple ale acestor sculpturi au apărut în 1921. Mulți ani s-a crezut că sculpturile de ceară în sine, din care s-au făcut turnările, nu s-ar fi putut păstra, dar au fost descoperite la subsol în 1954; după cum sa dovedit, pentru turnare au fost folosite duplicate special făcute. ÎN anul urmator Toate sculpturile în ceară ale lui Degas au fost achiziționate de colecționarul american Paul Mellon, care, după ce a donat o mică parte din lucrări la Luvru, rămâne încă proprietarul majorității lor. Din fiecare sculptură în ceară au fost făcute aproximativ 20-25 de piese turnate, ducând numărul total de exemplare la aproximativ 1500. Unele dintre acestea pot fi văzute în muzeele importante din întreaga lume, iar în unele locuri, de exemplu, Glypothek Ny Carlsberg, Copenhaga, le are set complet.

Desene de Degas

Desenul a fost piatra de temelie a întregii opere a lui Degas. Artistul și-a exercitat mâna, lucrând în tradiția lui Ingres, unul dintre cei mai remarcabili desenatori din istoria artei europene. Ajutorul lui Degas a fost fenomenal memorie vizualăȘi sentiment înnăscut materiale plastice de linie și contur. S-a născut să deseneze.

În desenele sale timpurii, Degas a obținut o precizie și un naturalism uimitoare, folosind adesea creionul. Cu toate acestea, în anii 1870, stilul artistului a devenit mai liber și mai neted, moment în care Degas a abandonat aproape complet creionul și a trecut la cretă albă și cărbune negru. Efectul uluitor pe care l-a obținut cu această tehnică este ilustrat perfect de „Schița cu doi călăreți” nedatat. Degas a folosit și alte tehnici de scriere și foarte des combinate materiale diferiteîntr-un singur loc de muncă. Majoritatea desenelor lui Degas sunt schițe ale unor figuri umane, precum Balerina leagă un pantof, 1880-1885. Acest desen a fost făcut nu atât în ​​creion, cât în ​​cărbune. De obicei, artistul a realizat o serie de schițe preliminare și uneori a folosit aceeași schiță pentru mai multe pânze diferite.

Inovația lui Degas

Arta lui Degas este caracterizată de o combinație între frumos, uneori fantastic și prozaic. Fascinat de diversitatea și mobilitatea vieții orașului, el pictează Parisul contemporan (străzi, teatru, cafenele, curse de cai) în aspecte în continuă schimbare. Lucrările lui Degas, cu compoziția lor strict verificată (asimetrice, cu fragmentarea dinamică a unui cadru de film), cu desenul lor precis și flexibil, unghiurile neașteptate, interacțiunea activă a figurei și spațiului (adesea parcă întors într-un plan), se combină aparent imparțialitate și aleatoriu cu o gândire atentă și un calcul precis.

Degas s-a străduit pentru „realism” sau „naturalism” maxim în lucrările sale. Deși cei doi termeni erau adesea folosiți în mod interschimbabil, în realitate naturalismul a fost o formă mai progresivă de realism, deoarece a fost îmbogățit. ultimele realizăriȘtiințe. Scriitorul și jurnalistul Edmond Duranty, un prieten al lui Degas, și-a îndemnat cu insistență prietenii să urmeze descoperirile din știință, să folosească inovațiile pentru ca arta artistului să țină pasul cu vremurile. Modul în care Degas a urmărit acest realism științific poate fi ilustrat prin atitudinea sa față de expunerea lucrărilor la expozițiile impresioniste.

Așezând toate picturile fiecărui artist în camere cu scheme de culori intime, cu pereți pictați în tonuri neobișnuite, al căror impact a completat picturile și prin extinderea orelor de vizită de seară când erau aprinse lămpi cu gaz, Degas și colegii săi au creat efecte în conformitate cu cele mai recente descoperiri ale fizicii optice. Ca și alți impresioniști, Degas s-a atașat mare importanță ramele, el însuși le-a proiectat culoarea și conturul. După cum a explicat mai târziu Claude Monet, Degas a făcut acest lucru pentru a „face ca cadrul să asiste și să completeze lucrarea”, îmbunătățind astfel culorile. Degas chiar a stipulat în mod expres că ramele picturilor sale nu ar trebui să se schimbe. Când într-o zi și-a văzut pictura introdusă într-un cadru turnat aurit obișnuit, a fost furios și l-a cumpărat el însuși.

Faptul că Degas era interesat de invențiile tehnice este evidențiat de gravurile sale; le-a folosit și pe cele tradiționale într-un mod nou, de exemplu, pastelul și tempera, bazate mai degrabă pe lipici decât pe ulei. Ambele materiale sunt uscate sau cu uscare rapidă și opace, ceea ce i-a permis lui Degas să facă cu ușurință modificări (și să mascheze) compozițiile sale. Folosind potențialul lor expresiv pentru a descrie lumea contemporană a operei și a cafenelelor, Degas s-a convins că fragilitatea acestor materiale era perfect potrivită pentru a transmite bucuriile trecătoare ale artelor spectacolului.

Lipsa unei tradiții profunde în această tehnică i-a permis lui Degas să folosească liber hârtie elastică și pliabilă pentru bază, care putea fi adăugată sau îndepărtată în timpul lucrului la compoziție. În plus, pentru a crea planuri tonale a folosit umbrirea și propriile degete, folosind o pensulă și apă, a aplicat pigmenții pudrați ai creioanelor pastel pentru a obține un joc fin de culori. Eforturile sale au culminat cu apariția unui nou vocabular al realismului, așa cum au reușit să facă în literatura contemporană frații Goncourt (Edmond-Louis-Antoine și Jules-Alfred) și Émile Zola. Criticii s-au plâns de caracterul aleatoriu al punctelor de vedere ciudate, formele tăiate și podelele înclinate din picturile sale. Aceste elemente făceau parte din ideologia realismului-naturalismului. De fapt, spontaneitatea compozițiilor sale ascundea pregătirea lor atentă. Degas a fost, conform definiției lui Edmond de Goncourt, care a vizitat atelierul artistului, „un om care, mai bine decât oricine altcineva, a putut să transcrie viața modernă și să-i capteze sufletul”.

Apus de soare

Cu aproape zece ani înainte de moartea sa, Degas practic a încetat să scrie. Trăia singur. În timp ce Renoir și Monet se bucurau de căldura vetrei familiei, Degas locuia din ce în ce mai singur în apartamentul său de burlac, aglomerat cu o grămadă haotică de pânze luxoase și prăfuite, lucruri și covoare rare. Moartea i-a luat pe mulți dintre cei mai apropiați vechi prieteni ai săi, iar caracterul său rău a lipsit compania de puținii săi prieteni supraviețuitori. Paul Valery, care venea uneori să-l viziteze pe Degas în studio, a lăsat o descriere a existenței fără bucurie a artistului aproape orb, care nu mai știa să scrie și doar desena puțin cu cărbune. Cu toate acestea, până la vârsta de 80 de ani era deja un artist recunoscut, picturile sale au fost vândute la prețuri fabuloase pentru acea vreme.

Edgar Degas a murit la 27 septembrie 1917 la Paris, la vârsta de 83 de ani, fiind un maestru recunoscut și pictor cu autoritate, considerat pe drept unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai impresionismului, un creator original. Conform ultimului testament al lui Degas, înmormântarea a fost modestă, deși mulți prieteni vechi s-au adunat pentru a-l vedea pe Degas în ultima sa călătorie, printre care Claude Monet și artistul Jean-Louis Forin. Degas a cerut să nu fie rostite niciun discurs de înmormântare în timpul înmormântării sale și a insistat mai ales că dacă Forain ar trebui să spună câteva cuvinte, să fie cel mai frază simplă, cum ar fi: „El, ca mine, îi plăcea foarte mult să deseneze.”

Un crater de pe Mercur poartă numele lui Edgar Degas.

Mod creativ

Degas nu era interesat de peisaj, care ocupa un loc central în opera impresioniștilor, și nu s-a străduit să surprindă pe pânză jocul evaziv de lumini și umbre care îl fascina atât de mult pe Monet. Degas a crescut din pictura traditionala, care a însemnat atât de puțin pentru alți impresioniști. Degas poate fi atribuit impresionismului doar datorită jocului tremurător și luminos al culorilor. Ceea ce era comun, atât pentru Degas, cât și pentru restul impresioniștilor, a fost, poate, doar un interes lacom pentru subiectele pitorești ale vieții moderne și dorința de a le surprinde pe pânză într-un mod nou, neobișnuit. Însuși Degas a spus: „Trebuie să ai o înaltă înțelegere a artei; nu despre ceea ce facem în acest moment, ci despre ceea ce ne-am dori să realizăm într-o zi. Nu merită să lucrezi fără el.” Auguste Renoir a spus despre prietenul său: „Degas a fost vizionar. Nu s-a ascuns după o redingotă neagră, un guler dur amidonat și o pălărie de cilindru cel mai revoluționar artist din noua pictură?

Ironia sorții este că în anii 1890, după prăbușirea grupului impresionist, lucrările lui Degas s-au apropiat cel mai mult ca stil de impresionism. Cu toate acestea, formele neclare și culorile strălucitoare pe care a început să le folosească în acești ani au fost mai mult o consecință a pierderii progresive a vederii decât dorința artistului pentru culorile și formele caracteristice impresionismului. Spontaneitatea nu era inerentă artistului, iar el însuși a spus: „Tot ceea ce fac, am învățat de la vechii maeștri. Eu însumi nu știu nimic despre inspirație, spontaneitate sau temperament.” Drama specială a imaginilor se naște de foarte multe ori dintr-o mișcare neașteptat de îndrăzneață a liniilor, o compoziție neobișnuită, care amintește de o fotografie instantanee, în care figuri cu cei care rămân în culise. în părți separate Corpurile sunt deplasate în diagonală într-un colț, partea centrală a tabloului reprezintă spațiul liber („Orchestra Operei”, 1868-1869, Musée d'Orsay, Paris; „Doi dansatori pe scenă”, 1874, Institutul Warburg și Courtauld Gallery, Londra; „Absinthe”, 1876, Muzeul Orsay, Paris). Pentru a crea o tensiune dramatică, artistul a folosit și lumina direcțională, înfățișând, de exemplu, o față împărțită de un reflector în două părți: iluminată și umbrită („Cafechantan în Ambasador”, 1876-1877, Muzeul de Arte Frumoase, Lyon; „ Singer with a Glove,” 1878 , Vogt Museum, Cambridge) Această tehnică a fost folosită mai târziu de A. de Toulouse-Lautrec în afișe pentru Moulin Rouge.

Darul său de observație, acuratețe și vigilență a fost incomparabil. Și numai Daumier se putea compara cu el în puterea memoriei vizuale. Puterile de observație ale lui Degas și memoria vizuală fenomenală i-au permis să surprindă gesturi și ipostaze cu o acuratețe extraordinară, să surprindă din mers mișcările caracteristice și să le transmită cu o autenticitate extraordinară. Degas s-a gândit întotdeauna cu atenție la compoziția picturilor sale, făcând adesea multe schițe și schițe, iar în ultimii ani ai vieții sale, când viziunea sa decolorată nu i-a mai dat ocazia să caute teme noi, a apelat din nou și din nou la imaginile preferate, transpunând uneori contururile figurilor din pânze vechi folosind hârtie de carbon.

Lucrările lui Degas, cu compoziția lor strict verificată și în același timp dinamică, adesea asimetrică, desenul precis flexibil, unghiurile neașteptate, interacțiunea activă a figurei și spațiului, combină aparenta imparțialitate și aleatorietatea motivului și arhitectonică a imaginii cu o gândire atentă și calcul. „Nu a existat o artă mai puțin directă decât a mea”, așa își evaluează artistul însuși propria lucrare. Fiecare dintre lucrările sale este rezultatul unor observații de lungă durată și al muncii persistente și minuțioase pentru a le transforma într-o imagine artistică. Nu există nimic improvizat în munca maestrului. Completitudinea și atenția compozițiilor sale fac uneori să ne amintim picturile lui Poussin. Dar, ca urmare, pe pânză apar imagini pe care nu ar fi o exagerare să le numim personificarea instantaneului și aleatoriu. În arta franceză de la sfârșitul secolului al XIX-lea, lucrările lui Degas în acest sens sunt opusul diametral al operei lui Cezanne. Pictura lui Cezanne poartă în sine toată imuabilitatea ordinii mondiale și arată ca un microcosmos complet finalizat. În Degas, conține doar o parte din fluxul puternic al vieții întrerupt de cadru. Imaginile lui Degas sunt pline de dinamism, întruchipează ritmurile accelerate ale epocii contemporane a artistului. A fost tocmai pasiunea pentru transmiterea mișcării - aceasta, după el, a determinat subiectele preferate ale lui Degas: imagini cu cai în galop, balerine la repetiție, spălători și călcători la serviciu, femei care se îmbracă sau se pieptănează.

Astfel de metode necesită un calcul precis, mai degrabă decât libertate și inspirație, dar vorbesc și despre extraordinara ingeniozitate a artistului. În căutările sale creative, Degas apare ca unul dintre cei mai îndrăzneți și originali artiști ai timpului său. La începutul carierei sale profesionale, Degas a dovedit că poate picta cu măiestrie în maniera tradițională în ulei pe pânză, dar în anii săi de maturitate a experimentat pe scară largă cu diverse tehnici sau combinații de materiale. A pictat adesea pe carton și nu pe pânză și a folosit diferite tehnici, cum ar fi uleiul și pastelul, în cadrul aceleiași picturi. Artistul avea în sânge o pasiune pentru experimentare - nu fără motiv, în 1879, unul dintre observatorii care au vizitat expoziția impresionistă a scris că Degas „căută neobosit o nouă tehnică”.

Abordarea artistului față de gravură și sculptură a fost la fel de creativă. Stilul lui Degas a fost influențat de diverși artiști. Îl venera profund pe Ingres, de exemplu, și se considera unul dintre cei care scriau în maniera tradițională mărturisită de Ingres. Această influență este clar vizibilă în lucrările timpurii ale lui Degas - clare, clasice în spirit, cu forme clar definite. La fel ca mulți dintre contemporanii săi, Degas a fost influențat de grafica japoneză cu unghiurile sale neobișnuite, la care el însuși a apelat în lucrările sale ulterioare. În picturile lui Degas există multe urme de fragmentare, neașteptate pentru arta europeană, în gravurile în lemn kakemono japoneze. Fotografia, la care Degas îi plăcea, a făcut-o mai proaspătă și compoziție neobișnuită tablourile lui. Unele dintre lucrările sale creează impresia unui instantaneu, dar de fapt acest sentiment este rodul muncii lungi și minuțioase a artistului.

Edmond Goncourt a scris despre Degas: „Un om extrem de sensibil, care înțelege însăși esența lucrurilor. Nu am întâlnit niciodată un artist care, în timp ce reproduce viața modernă, ar surprinde mai bine spiritul acesteia.” În cele din urmă, Degas a reușit să-și dezvolte propria sa viziune unică asupra impresiilor lumii din jurul nostru. El este descris uneori ca un observator rece, nepasional, mai ales când scrie portrete de femei, cu toate acestea, Berthe Morisot, unul dintre artiștii marcanți ai vremii, a spus că Degas „a admirat sincer calitati umane tinere vânzătoare în magazin”. Nu mulți alți artiști au studiat corpul uman la fel de persistent ca Degas. Aceștia spun că până la sfârșitul ședinței, modelele lui Degas nu doar că erau obosite de moarte de la pozele lungi, ci și dungile pictate pe care artistul, care își pierdea vederea, le-a aplicat pe corpul lor ca semne care l-au ajutat să determine mai exact proporțiile.

„De-a lungul întregii sale vieți”, a scris Paul Valery, „Degas a căutat în reprezentarea unei figuri goale, privită din toate punctele de vedere, într-un număr incredibil de ipostaze, în tot felul de mișcări, acel sistem unic de linii care ar exprima cu cea mai mare acuratețe nu numai un moment dat, ci și cea mai mare generalizare. Nici harul, nici poezia aparentă nu sunt printre scopurile sale. Lucrările Lui nu preamăresc nimic. În lucrare trebuie să lăsați un loc întâmplării, pentru ca să se nască un fel de descântec care să-l entuziasmeze pe artist, să ia în stăpânire paleta lui și să-i ghideze mâna. Dar Degas, un om esențial cu voință puternică, care nu a fost niciodată mulțumit de ceea ce a obținut imediat, care a avut o minte excesiv de critică și a fost prea educat de cei mai mari maeștri, nu s-a predat niciodată plăcerii directe în munca sa. Îmi place această severitate.”

Renoir a remarcat odată că „dacă Degas ar fi murit la cincizeci de ani, ar fi fost amintit ca un artist excelent și nimic mai mult. Cu toate acestea, după cincizeci de ani, creativitatea sa sa extins atât de mult încât s-a transformat de fapt în Degas.” Poate că Renoir nu este pe deplin aici. Când Degas a împlinit 30 de ani, el crea deja picturi care au fost incluse în vistieria artei mondiale. Pe de altă parte, Renoir a remarcat corect că lucrările mature ale lui Degas sunt mai individuale, de fapt s-au „extins” în stil - acesta este ceea ce le deosebește în primul rând de lucrările timpurii ale artistului. Continuând să creadă cu fermitate că desenul în pictură este baza fundațiilor, Degas începe să-i pese mai puțin de frumusețea și claritatea conturului, exprimându-se printr-o varietate de forme și bogăție de culoare.

Această expansiune a stilului a coincis cu interesul crescut al lui Degas pentru pasteluri, care a devenit treptat principalul său material de desen. În picturile sale în ulei, Degas nu a căutat niciodată să înfățișeze textura ruptă iubită de alți impresioniști, preferând să picteze într-un stil calm, uniform. Cu toate acestea, în lucrările pastelate, abordarea artistului devine mult mai îndrăzneață și el folosește culoarea la fel de liber precum a folosit-o atunci când lucra cu creta sau cărbune. Pastelul se află într-adevăr pe linia dintre desen și pictură, iar Degas însuși a spus că i-a permis să devină un „colorist cu o linie”.

Galerie

Absint, 1876, Muzeul Orsay, Paris

Înainte de începere, 1862-1880, Muzeul Orsay, Paris Călcători Vedeta de balet (Prima Balerina) (1876-1878), Muzeul Orsay, Paris.

Two Resting Dancers (Blue Dancers) (1905-1910), Muzeul Orsay, Paris.

Blue Dancers (1897), Muzeul de Artă. A. S. Pușkin, Moscova

• Zernov B. A. Degas. - M., L.: Artist sovietic, 1965.
• Prokofiev V. N. Spațiu în tabloul lui Degas // Prokofiev V. N. Despre artă și istoria artei. Articole din ani diferiți. - M., 1985.
• Edgar Degas // Galeria de Artă, 4/2004, DeAgostini.
• Kostenevici A.G. Edgar Degas. Domeniul de acord. Note despre pictură. - Sankt Petersburg: Muzeul Ermitaj de Stat, 2012. - 152 p., ill. - (Capodopere reînviate). - 1000 de exemplare.

(Edgar Degas)

(Edgar Degas) (1834-1917), artist-pictor francez, unul dintre cei mai semnificativi și celebri impresioniști (vezi impresionism). În munca sa, promovând respingerea artei de salon academic, Degas însuși s-a străduit pentru „naturalism” maxim în picturile sale. În același timp, picturile sale au diferențe de stil datorită experimentelor creative constante. În același timp, pe baza școlii excelente de desen din pictura tradițională, lucrările lui Degas demonstrează acuratețea și realismul care deosebesc și picturile artistului de mulți impresioniști.

Tatăl artistului, Auguste de Gas, a fost managerul sucursalei franceze a băncii înființată în Italia de bunicul lui Edgar Degas, René Hilaire de Gas (în perioada fugării sale din Revoluția Franceză). Averea tatălui său i-a permis lui Edgar să se concentreze pe educație și creativitate în afacerea lui preferată (îi plăcea să deseneze încă din copilărie). Acest accent pe creativitate l-a modelat pe tânărul Degas ca un perfecționist în munca sa.

Spre sfârșitul vieții sale, Edgar Degas se distanțează de impresioniști (chiar negând însuși termenul de „impresionism”) și se distanțează de societatea lor. Boala grava viziunea l-a forțat să muncească, depășind dificultățile vedere slabă, care a format un special stil unic lucrările sale ulterioare. Anul trecut Degas și-a petrecut viața singur (poate din cauza caracter dificil), renunțarea la pictură și oprirea scrisului.

Picturi Degas:

1870 - Războiul franco-prusac se apropia de Paris. Împreună cu Manet, Degas intră în armată. Degas se oferă voluntari pentru un regiment de infanterie. Curând a fost descoperit un defect vizual la ochiul drept (începutul orbirii) și Degas a fost transferat la artilerie, unde a pus capăt războiului. 1871 - după război, artistul a vizitat Londra. 1872 - Vizitează America și a locuit câteva luni în New Orleans cu rudele sale (din partea mamei). 1873 - s-a întors de urgență la Paris, unde a murit tatăl său, lăsând mari datorii. Păstrând reputația familiei, Degas și-a folosit moștenirea pentru a plăti, vânzându-și casa și colecția familiei de picturi ale vechilor maeștri. Rămas fără fonduri, el este forțat să se angajeze în creativitate comercială. 1874—1886 — Edgar Degas participă la șapte expoziții impresioniste. A devenit celebru și respectat în lumea artei pariziene. Agenții de vânzări sunt de acord să lucreze cu el, iar tablourile lui Degas se vând bine la prețuri mari. 1882 - vederea artistului începe să se deterioreze brusc, iar Degas începe experimente în tehnicile de desen, apoi trece la sculptură. 1888 - Degas devine un artist comercial foarte desăvârșit. Execută o strategie de licitare eficientă cu un grup de agenți dedicați. Și se limitează la un cerc restrâns de prieteni apropiați. 1907 - Degas practic încetează să picteze. Picturile sale sunt vândute în timpul vieții sale și la prețuri incredibile.

Peter Kiele

Edgar Degas (1834-1917). Colecție de tablouri.

Edgar Degas s-a născut la Paris în familia unui aristocrat care a avut succes în afaceri, dar a murit în 1873, puternic îndatorat. Crescut în pictura marilor maeștri la Luvru și în Italia, unde a manifestat un interes deosebit pentru lucrările Renașterii timpurii - Giotto, Ghirlandaio, Mantegna, Bellini, precum și Paolo Veronese, Degas, după ce a deschis un atelier. , a conceput o serie de picturi istorice, care este legată și de necesitatea expunerii la Salon pentru recunoașterea oficială. În ciuda lucrărilor cele mai minuțioase, el nu a terminat cu adevărat niciuna dintre pânzele mari.

În acest moment (1861), Degas l-a întâlnit pe Edouard Manet, care era cu doar doi ani mai în vârstă decât el, practic semeni, pentru care căile bine bătute ale academicismului s-au dovedit a fi străine. Manet avea deja adepți, viitori impresioniști, dar Degas, ca și Manet, nu era pasionat de noi tehnici de lucru în aer liber. Pentru el, desenul, baza picturii clasice și designul echilibrat sunt prea importante. Dacă impresioniștii au fost captivați de jocul evaziv al luminii, Degas a plecat din natură, surprinzând ceea ce era și evaziv - mișcarea, nu doar gestul.

Moartea tatălui său l-a forțat pe Degas să-și plătească o parte din datoriile (avea frați care, jucându-se la bursa de bumbac din Statele Unite, poate să-și fi ruinat tatăl) și să se gândească pentru prima dată să-și vândă tablourile. În acest moment, destul de oportun, au început o serie de expoziții impresioniste (din 1874 până în 1886), la care a participat și Degas. În vânzarea tablourilor sale, artistul a dat dovadă de perspicacitate pentru afaceri, conform tradiției familiei.

Temele istorice ale artei clasice aparțin trecutului. La fel ca Manet și impresioniștii, Degas pornește din impresiile vieții și ale artei actuale. Este atras de balet, pentru că este mișcare, o lume a grației și a feminității, viața însăși în toate manifestările ei.

„Ei mă numesc pictor de dansatori”, a scris Degas și a adăugat. „Balerinii au fost întotdeauna doar o scuză pentru mine pentru a descrie țesături minunate și a capta mișcarea.” O intrare demnă de remarcat din Jurnalul lui Edmond de Goncourt din 13 februarie 1874 este o dovadă a faimei emergente a lui Degas: „Ieri mi-am petrecut toată ziua în studioul unui artist uimitor pe nume Degas. După multe încercări, experimente, tatonări în toate direcțiile, s-a îndrăgostit de tot ce este modern, iar în această modernitate și-a fixat privirea asupra spălătorilor și dansatoarelor. În esență, alegerea nu este atât de rea. Totul este alb și roz; corpul feminin în cambric și tifon este cea mai fermecătoare ocazie de folosire a tonurilor deschise și delicate...

Dansatorii trec prin fața ochilor noștri... Tabloul înfățișează un foaier de balet, unde pe fundalul unei ferestre luminoase ies contururile fantastice ale picioarelor dansatorilor care coboară scările; Printre toți acești nori albi care se umflă, plutește o pată roșie de tartan, iar figura amuzantă a coregrafului stă într-un contrast puternic. Și în fața noastră apar îndoirile grațioase ale trupurilor, întoarcerile și mișcările acestor fetițe, surprinse în natură.

Artistul își arată picturile, completând din când în când explicațiile cu reproducerea unei figuri coregrafice, o imitație, în limbajul dansatorilor, a unuia dintre arabescuri. Și este cu adevărat amuzant să vezi cum el, stând în picioare, cu brațele ridicate deasupra capului, amestecă estetica dansului cu estetica picturii, vorbind despre tonurile necurate ale lui Velazquez și silueta lui Mantegna.”

Degas le-a spus impresioniștilor: „Voi aveți nevoie de viață naturală, eu am nevoie de viață artificială”. Dar aici vorbim nu atât despre plein air, nu despre iluminat, ci despre artă, despre habitatul orășenilor, al vizitatorilor cafenelelor, baleturilor, sau aceleași spălători și femei care își fac hainele și trupurile frumoase. Nu trebuie să credem că artistul era un erotoman, atât pentru corpul feminin gol, cât și pentru dansatoare, avea un interes pur estetic, artistic, altfel toate aceste serii ar fi fost insuportabile ca amatorism. Era fascinat de mișcările evazive ale unei balerine sau ale unei femei la toaletă, de grația și frumusețea vieții fără umbră de sentimentalism și de frumusețea picturii de salon.

Degas era scund, de obicei rezervat și uneori avea un temperament iute. Cei apropiați îl găseau stângaci în felul lui de a vorbi direct și chiar mormăi. În același timp, Degas s-a remarcat pentru talentul său de actor imitator și chiar de clovn. Artistul francez îmi amintește de personajul lui Valentin Serov.

Degas nu era căsătorit. Nu există informații despre relația artistului cu dansatorii și modelele, ceea ce indică impecabilitatea comportamentului său față de modelele sale. Se crede că Degas a primit plăcere nu din actul sexual, ci din contemplarea corpului feminin. Unul nu îl exclude pe celălalt, mai ales pentru un artist care a experimentat catarsisul doar ca urmare a muncii grele. Alții au sugerat că Degas și-a satisfăcut nevoile intime cu prostituate, întâlnindu-le incognito. Vedeți, din tinerețe și-a dorit să fie „famos și necunoscut”, în propriile sale cuvinte.

În tehnica pastelului, care corespundea talentului unui desenator, Degas a dobândit o îndemânare de neegalat, care a devenit un suport pentru el cu vederea slăbită, motiv pentru care s-a apucat de sculptură. Paleta colorată, irizată surprinde și recreează mișcarea. „Blue Dancers” este una dintre picturile lui Degas care mi-a pătruns în suflet în tinerețe, una dintre capodoperele sale uimitoare.

Degas a spus: „Trebuie să ai o idee înaltă despre artă; nu despre ceea ce facem în acest moment, ci despre ceea ce ne-am dori să realizăm într-o zi. Nu merită să lucrezi fără el.” Auguste Renoir: „Degas a fost vizionar. Nu s-a ascuns după o redingotă neagră, un guler dur amidonat și o pălărie de cilindru cel mai revoluționar artist din noua pictură? Aici vorbim nu atât despre tehnica picturii, cât despre conținutul operei artistului, despre democrația viziunii sale asupra lumii.

Edmond Goncourt a scris despre Degas: „Un om extrem de sensibil, care înțelege însăși esența lucrurilor. Nu am întâlnit niciodată un artist care, deși reproducea viața modernă, și-a surprins mai bine spiritul.” Cineva găsește că Degas este un observator nepasional, înregistrând doar impresiile sale în vopsea despre aceleași femei, în timp ce Berthe Morisot a susținut că Degas „a admirat sincer calitățile umane ale tinerelor vânzătoare dintr-un magazin”. Pastelurile lui Degas se remarcă nu doar prin jocul capricios al culorilor, ci și prin demnitatea modelelor sale, ocupate dezinteresat cu munca lor, pentru că dansul, atât la repetiții, cât și pe scenă, este o muncă grea.

„De-a lungul întregii sale vieți”, a scris Paul Valery, „Degas a căutat în reprezentarea unei figuri goale, privită din toate punctele de vedere, într-un număr incredibil de ipostaze, în tot felul de mișcări, acel sistem unic de linii care ar exprima cu cea mai mare acuratețe nu numai un moment dat, ci și cea mai mare generalizare. Nici harul, nici poezia aparentă nu sunt printre scopurile sale. Lucrările Lui nu preamăresc nimic. În lucrare trebuie să lăsați un loc întâmplării, pentru ca să se nască un fel de descântec care să-l entuziasmeze pe artist, să ia în stăpânire paleta lui și să-i ghideze mâna. Dar Degas, un om esențial cu voință puternică, care nu a fost niciodată mulțumit de ceea ce a obținut imediat, care a avut o minte excesiv de critică și a fost prea educat de cei mai mari maeștri, nu s-a predat niciodată plăcerii directe în munca sa. Îmi place această severitate.”

Aceste trăsături erau inerente în cel mai înalt grad în Serov. Acesta este umanismul epocii, poate cea mai mare ascensiune a culturii europene.

Selecția și plasarea picturilor de Alexander Krylov

„Aria câinelui” 1877 Colecția Haymeyer, New York

„Steaua” 1877 Musée d'Orsay, Paris

„Cântăreață cu mănușă” 1878

„Absint” 1876, Musee d'Orsay, Paris

„Baie” 1885, Muzeul Hill Steed, Farmington

„Femeie care se pieptănează” 1885, Ermitage, Sankt Petersburg

„Domnișoara Lala la Circul lui Fernando” 1879, National Gallery, Londra

„Familia Bellelli” 1858

Perioada timpurie. 1854-1861

„Schimb de bumbac” 1866-1868

„Madame Valpinson cu crizanteme”

„Portretul domnișoarei Cassette” 1878

"Place de la Concorde. Roțile trăsurii foșnesc"

„Edmond și Teresa Morbilli”

„Troteri la tribună” 1866-1868

„Călcătorul”

„Călcători”

„Interior (Viol)” 1869

„Magazinul de pălării pentru doamne”

„La modărist”

„La modărist”

"La curse"

„La cursele de la țară”

"Pe plajă"

"La balet"

"Orchestră"

"Loja orchestrei"

„Edmond Duranti”

„Balerina și femeie cu umbrelă” 1882

„Patru dansatori” 1884

„Cabaretul „Ambasador”” 1876

„Toaletă” 1885

„Femeia în baie” 1885

„Femeie care se spală pe spate” 1886

„Femeie care iese din baie”

„Femeie care se pieptănează” 1887-1890

„După baie” 1885

„Femeie care se usucă după spălare”

„Femeia la toaletă”

„După spălare” 1884

„Prima” 1877

„Balerinele se înclină” 1885

„Arlechin și Columbine” 1886

„Cursul de balet al doamnei Cardinal”

„Școala de balet” 1877

„Final Arabesque” 1877

"Dansator odihnitor"

"Dansator de tamburină"

"Dansatorii"

„Dansatori pe scenă. Închinăciuni”

„Peisaj cu dansatori”

„Dansator în verde”

„Trei dansatori în sala de repetiții” 1873

"Dansatorii"

„Lecția de dans” 1872

„Dansator la Barre” 1880

„Repetiție pe scenă”

„Dansatori care exersează la bară”

„Doi tineri dansatori”

„Baletul pe scena Operei din Paris”

"Scena de balet"

„Doi dansatori” 1898-1899

„Micul dansator de paisprezece ani”

"Repetiţie"

„Balerina așezată” 1879-1880

„Trei dansatori ruși”

Schitul „Dansatorul”.

„Dansatorii în roz” 1880-1885

„Repetiție de balet”

Edgar Degas „Coasta de la Ebbe”